The temperature rises, the world breaks and the cinema echoes a humanity that is consumed. 2024 was a burning year, both in its own sense and in figurative form. Our team is compiling an inventory of 7th Art. From behind the scenes of his production to the big screen, what are the determinants of today's cinema? Despite under-representation in a still very masculine environment, the cinema in female roots and imposes. From the genre film Titanium, Golden Palm of Julia Ducourneau in 2021, to Coralie Fargeat who flooded the hemoglobin crusette with her body-horrific comedy The Substance, the female look gives to see other representations. Yes, the independent scene dominates an aging Hollywood and debilitating platforms. Back on a year out of standard.
From our perspective, 2024 also ends in beauty. For the past three years and our first articles, the road we have come seems immense. Three years and already 1300 papers, more than 150 videos including 7O interviews filmed, translated or doubled by actors and directors of cinema and video game from all over the world. A collective and volunteer work as hard as it is passionate, without any other support than our enthusiasm-driven determination. This year again, the team will have explored the Cannes festivals at the Mostra in Venice, including Neuchâtel, Gérardmer, Annecy, Geneva and Strasbourg. 2025 promises engaging with support from festivals that we travel against winds and tides. Some of our interviews should also have a second life for the release of the physical supports of the films viewed. MaG is growing and enriching with new contributors to a small international team between France, Switzerland, Belgium, Canada and the United States. More than ever, MaG will need your support over the next few years to carry out our project: to give thought in a world that is fast approaching and prevents you from understanding the present and thinking about the future. Happy New Year to our ever more faithful readers. Our only resolution for 2025: doing better!
Contents
KillerS7ven balance sheet
YOUR WATCH ON THE CINEMA WORLD IN 2024
As the year ends with a government Christmas gift worthy of cons of dinner, it's an opportunity to revisit everything that revolves around 7th Art. Beyond film production, what are the markers of our time? Last year, a part of the old world of cinema was crying out in the dark, astounding as it was that Depardieu had as much appetite for pâté as for equestrian sports girls. Since the #MeToo revolution, it has become increasingly clear that the word is freed in all settings, from the most privileged to the remote provinces of Mazan, where life is no more tranquil. The case is now heard, the culture of rape is not a fantasy of a few angry leftists, nor is it confined to rich decadents or idle prolos. The Mazan trial will probably be adapted to the cinema one day and we're already wondering if we can do worse than the defendants and lawyers who pulled the bingo out of which will be the most heinous.
Represent horror, anticipate SF
Apart from the independent press, the media discourse declined little, reinforced by editorialist circonvolutions anxious to ridicule the attackers as victims of bloody feminist valkyria. They form the first lock of thought that must be blown up. Interchangeable media subject to the same commercial logic delimiting framework and subjects, confusing facts and affects and replacing analysis with the permanent commentary of the void. Real and fiction tangle, we will return.
Despite their respective qualities, the film Maldoror, freely inspired by the Dutroux case, and the docu-fiction 2073 on the coming collapse (films expected for 2025) seemed vain for similar reasons: their delay compared to the horror of the past and future real. Still, the movie dAsif Kapadia had the merit of asking the question of the SF anticipation which would today be outdated as we mentioned with the daughter of Stanley Kubrick This fall. How can we warn something that is already in front of our eyes? As for the thriller of Du Welz that we had Interviewed At FEFFS 2021, he unfortunately only flew over the legacy of Lautréamont which he artificially summoned. Like a « meeting [missed] on a dissection table of a sewing machine and an umbrella ». Too bad because he had sincere qualities, however insufficient for the constant readers of the count to forgive him his protocolary filiation. There was a much more audacious way of developing the passage of evil. « Charleroi monster » the creation of a tentacular paedophile network that covered Belgian and French chronicles.
Sexual violence: anatomy of a fall
The behind-the-scenes cinema in 2025 also had a bad TV show; Every year, his lot of sordid business that has nothing to envy to the most black novels. 2025 ends with the director's trial Christophe Ruggia, tried for sexual assault on the young person Adèle Haenel12 years old. Experienced, the courageous actress removed from the profession but fiercely engaged in all social struggles split from a « Shut the fuck up! » Salvator. A cry to the air of deliverance after nearly nine hours of audience and a collective symbol for how many silent victims. The trial or anatomy of a fall. His attacker chose the most infamant defence: that of the censureable lightness tinted with filthy paternalism and whose real name is nothing but denial.
Ruggia has unraveled all possible inepties. Like a recital of the good and the bad rapist, where every speech was deeper into the tomb of indignity. The director explained having suggested to Adèle Haenel to change his name to protect her, stating that she « suggested Truffaut » with reference to History ofAdele H, title of one of his films and story of a woman devoured by a devouring passion. A sleek and often revisited scenario that links his victim to his executioner, inverting roles and forgetting the inoperative logic of consent in children who are by nature... children. A truism that is not yet obvious to everyone would seem.
Produce without destroying
Hard to do more next to the plate as a defense. The men accused of sexual violence still seem to be inhabited by a form of romanticization to Don Juan which would excuse the criminal acts of their perpetrators. An old renegain that does not decline over time despite signs that still suggest a slow but perceptible rupture of society towards other less obtuse representations. This is what emerges from a part of contemporary artistic expression still at the margin, even though balance is for the time being staggering, if not uncertain for cultural products.
The question of production conditions is now on the table. How to preserve young actors and actresses on the plateaus? What balance to find between a king director and a filming marked with a presumption of aggressor to overthrow for the authors, which could constitute a barrier to creation? It was this unbalanced issue that some respondents answered on the question in the No 806 of the Cahiers du Cinéma with answers far from being univocal in the middle, even feminine.
A first element of the answer is undoubtedly the search for works more focused on a less individual and more collective approach. Some of them have been trying successfully for a long time or on certain points of the film like the OST. Experimental music Dune, part two (read our folder) which is attributed a little too quickly to Hans Zimmer For example, only the team has designed it with a very horizontal management, each one able to offer his ideas to the composer on an equal footing. There is no indication that this type of logic is not allowed to be extended to other film professions, which is already partly the case according to the authors. Less verticality could limit the configurations specific to abuse of power, without resorting exclusively to professions dedicated to prevention, even if they can play a useful role. The key to the problem will always remain the question of patriarchy and education to be deconstructed over time.
Put the words: say
All my respect for those who carry these battles under the spotlight but also in the shadow of everyday life. I would like to see more actors.ices get involved and take part in political causes other than in front of the camera serving others. Collectives like ACID in each editorial, not hesitating to deviate to subjects related to production. Not out of pure altruism, but above all because it is an existential question in the face of a world that demonstrates every day its ability to retreat on itself and the little consistency of its supposed universal values.
Does hope also lie with the younger generation? In the USA, even stars like Jenna Ortega Surprised by addressing an arm of honour to its producer Netflix. The actress supported the Palestinian cause by putting words as stone-like as explicit. Two words left on Twitter: « Decolonize Palestine ». Basic. A rare fact and even more so in the USA, where freedom of expression has been hit hard by repression, which is reminiscent of the crackdown on peaceful movements against the impasse of the Vietnam war.
The documentary No Other Land, carried out by a Palestinian-Israeli collective gives reason to think of the shadow zones of a colonial war that does not say its name, although it does not advance more masked for ages. A forerunner film: in six months, the United Nations recorded more than 700 attacks by Israeli settlers against Palestinians in the West Bank. A chilling figure for crimes perpetrated with impunity and whose media silence is deafening. In parallel, for what other conflict, each dispatch systematically recalls that this is a response to the October 7 massacre? Out of the sideration and the ever-present injunction to condemn violence to reflect and take international law as the only compass. Common point of Western chancelleries: the instrumentalization and methodical bleeding of the accusation of anti-Semitism against all civil society, from comics to NGOs and journalists. It's like a witch hunt odor. A misguided accusation now sadly meaningless and whose first victims will be the Jews themselves, as can be seen from the figures on the real rise of racism and from the European brown wave.
Documenting the real, giving to see
In an article published in The World mid-November, entitled « For you, we areAre monsters? », Isabelle Mandraud, the special envoy of the reference newspaper, refers to the suicide of an Israeli soldier, father of four children and driver of a bulldozer deployed in Gaza. Eighty-six days on the ground that led him to suicide after having admitted to feeling « invisible blood » Squeeze out of his body. A week after his death, his co-pilot had stated to a parliamentary committee of the Knesset that the soldiers had, on numerous occasions, been obliged to « crush » Palestinians, « or living, by hundreds ».
And there is still a procrastination about the guilty intent of its sponsors at a time when « death zones » are practised and claimed by « The most moral army in the world » to the four corners of what remains of Gaza, that is to say nothing. Alternative reality is the new scourge of the century and blindness is a sign of the ruin of our common humanity. But let us continue to proscribe the word genocide. Many actors, artists, teachers, academics and intellectuals will have paid this year for simply denouncing what was obscenely displayed by the executioners themselves. The cinema, again, could have allowed us to see. As it rightly explains Jonathan Glazer, « We need genocide not to be a calcified moment in history. ». His icy movie, The Area of Interest, blissfully questioned « Unconsciousness of genocide » which responds directly to the semantic logic of the legal term whose object is to erase the other. Here we go. It is also the very object of the film to reject the « the fetishization and spectacularization of genocide » that we highlight in our canine critic and that Glazer will confirm next winter in a Interview granted to the World.
Far from the continuous distance of the press, cinema therefore acts as a mirror. The brilliant report Homegrown of the Michael Premo Interviewed in Venice portrays the fractures of America and perhaps foreshadowed Trump's victory. Same for the excellent Apocalypse in the Tropics which erodes the tiring of a Brazilian society that is being hunted by evangelist fundamentalists. An acerbic critique with enlightening parallels in art history. Two brilliant documentaries that will hopefully soon be programmed in France.
Reappropriate critical space
The cinema must marry the real to delimit its margins. Derange and not simply entertain in the etymological sense of these terms. Get out of the ranks, push our beliefs and not divert our attention. As in an alternative reality, series that are not very fine like The Boys were even recovered by a whole section of the public convinced that the character of Homelander was a plea to masculinism and the series, a love letter to the far right. The climax was reached when videomakers, though sensible, were reduced to producing a video of an hour and thirty to explain to all coming that The Boys is a series on the left.
Do you think I'm acidic? The reality is the same. It seems increasingly obvious that the universalist discourse slips our hands. Silicon Valley's interference is not only reflected in a virtual digital space, but in real life. This year, the independent press has been able to detect the acceleration of the phenomenon and the latest US, Moldovan and Georgian elections are expected to sound the alarm. The hypercentralization of continuous communication precipitates this shift towards a world in loss of benchmarks. And the need to reintroduce intermediaries is all the more pressing.
Out of voluntary servitude to AI
Will it soon be necessary to ask what is left or right at ChatGPT, the new Hollywood marotte that announced to use tens of thousands of film and series scenarios to train AI? Never before did the precipice seem so close, and society as a whole jumps on foot together under the cover of technophilia, ready to sacrifice its last choices, the body and voice of the actors being about to be an assignment of copyright like another. Even festivals like Annecy and Strasbourg are beginning to program films made in AI in selections of author films, which seems to me to indicate a fundamental mistake neglecting the stakes of human production.
All trades are and will be impacted. In a Article of the Release entitled « In the audiovisual sector, with AI, translations are lost », the author explains, numbers to the key, the first repercussions on the profession of translator. He notes many examples of the aberrations of the AI unable to distinguish vousvoyement and tutoement, alternating to head-kill during the same serial episode. Recent unanimous studies demonstrate the substitution effect of AI on authors' works. There will be no sufficient creative destruction because of the exponential nature of these technologies that are constantly fuelling themselves by theft of authors identified as anonymous.
The rates are already drawn down and the spectators get used to a lowering of the level of language which is even seen in media like The World who welcomed the establishment of a charter on the AI while their articles are increasingly full of mistakes. Finally, it was obvious that at no time was the question of progress directly raised. What benefit will human society derive from freeing itself from intellectual and creative stains? The pressure of libertarians at the door of the white house and the resignation of European policies indecent to Capital do not prefigure a happy future for artists, who have already suffered from predatory behaviour. How long can the French copyright exception, more protective of creators than copyright, stop this background blade?
Murdered female body, 2025 red thread
Cinema in 2025 remains a refuge; France, in spite of its ever more reactionary policy, is acting as the head of a new wave of Ducournau to Fargeat going through all the sensitivities of the female word spectrum. This year again, many filmmakers from around the world have signed bold films from a formal point of view such as Mi Bestia, Body Odyssey, Love Lies Bleeding or The Substance. Often raw works or radical artistic approaches that could disturb a whole section of the public, distraught by the absence of an explanation of text or unable to grasp the critical discourse behind an image society that devoured its icons and was complacent in the consumption of Sunday evening film.
Changing bodies, changing society
Fortunately, directors at the margin like Sean Baker have been able to produce films offering a plural image of the woman with the remarkable Anora. As long as we adhere to the genre, Audiard has also been daring with his musical Emilia Pérez (even if I didn't feel emotional) and Mohammad Rasoulof played the Golden Palm with the excellent Seeds of the wild fig tree revealing the revolution in revolution by the prism of a family home hit by the movement Female, Life, Freedom. If we ignore the big Hollywood productions where the inclusion of forceps gives me nausea, the cinema gropes, evolves and is so much better. The success of the body-horrific comedy The Substance Lets foreshadow beautiful days for genre films, Trojan horse and mirror of the anxieties and hopes of our time.
Hat also low to Aaron Schimberg, film director A Different Man which reverses – other than by the prism of pity – all the representations specific to the handicap of actor Adam Pearson with neurofibromatosis. We're holding our Elephant Man modern. This year again, there was something to see for as long as we wanted to get off the beaten track of an algorithm Netflix demeaning. Without any further delay, here are the seven films that were the most marked in 2024 and which each in their own way participate in opening the cinema (and the spirit) to other performances. A very subjective selection that could very well have included some of the above films already seen in 2023 as The Area of Interest.
THE FILMS THAT MARKED YOU THIS YEAR
The Brutalist
Source United States | Director : Brady Corbet | Release date : 12 February 2025 | Discovered at the Venice Mostra | Critique to come
There are a bit of easy wordplays that are thrown into the spectator's face in the trailers to attract the barge. And yet I could not do anything other than tilt and resort to the same process before the monument the last film of Brady Corbet. Discovered in Venice during a nearly 3h30 session with intermission, I gradually slipped on the margins of time, suspended from the life of a man, László Toth, Hungarian Jewish architect and rescued from the death camps. Incarnate by Adrien Brody, at the top of his art, László emigrates to the United States with his wife Erzsébet, remained for a time blocked at the border and physically diminished due to his passage in the camps.
Just writing these few lines revives in me the feeling of a breathtaking session. What an accurate interpretation and a sense of measurement that takes the viewer without artifice or spectacle. The issue of the Shoah's trauma is treated in the background with as much precision and modesty as The Area of Interest, film otherwise more subtle than the big hoofsHazanavicius, including his animated film, Most precious of goods, is as crushed by his own inheritance, unable to rise up against what has already been said. The BrutalistHe is diametrically opposed on the background as on the form to the very academic exercise of Hazanavisius who recites the Bescherelle of the Shoah.
carried by several chapters that respond, The Brutalist systematically destroys what he undertook in the previous act. First of all, from a formal point of view, whether it is his photograph captured in 70 mm, which will evolve during the film or its narrative which continues to take unexpected trajectories. A suffocating atmosphere emerges from the work and the feeling of a real symphony where no image is free. Then, The Brutalist is a success thanks to his writing and his story that lives close to his characters. The intimacy of the couple makes palpable the traces of the Holocaust under the flesh and souls. Beautiful interpretation of Felicity Jones who gradually reappropriates his body, as a second encounter of two beings separated by war. No modesty or passion. A simple report that paradoxically separates as much as it unites.
Brady Corbet, little known to the French public as these two previous films were not distributed in theatre in France, offers a masterly choral work that recalls Coppola's grandiose films. Some festivalgoers have rightly been able to compare it with There Will Be Blood Paul Thomas Anderson. Sequenced into chapters that begin with the same orchestral theme that floods the image, The Brutalist succeeds in bringing us to the height of this titanium construction site in which László Toth participates... until the last act to the Mostra of Venice itself. The Brutalist is a crazy construction site and the film is just as much, as if Corbet had set no limits.
Made all the more overwhelming, The Brutalist is not a biopic per se. It's a « virtual history », an exercise in cinematographic memory which, although it is a fiction, has a dazzling resonance with reality. The film, the fruit of seven years of work, is dedicated to « artists who could not accomplish their vision », says Corbet. Without a shadow of doubt, The Brutalist is my greatest movie experience. I came out of the cinema, the staggering step like a sailor who would return to the ground after crossing the ocean. Like that, there are still many things to say about the upside down of the American dream and the ravages of the Second World War. Do not be deceived, The Brutalist Nothing about a classic film and especially don't miss its release on February 12, 2025.
Love Lies Bleeding
Source : England | Director : Rose Glass | Release date : 12 June 2024 | Discovered at NIFFF | Critique to read Here
He murmured that a two-man festivalist heard the praises of Rose Glass's last film. Lou, an employee of a gym club, falls in love with Jackie, an ambitious bodybuilder who prepares the competition of her dreams in Las Vegas. This passionate encounter goes from thread to needle precipitate them into a spiral of violence where intertwined desires, revenge and steroids. Rose Glass multiplies the references of our collective imagination by bringing its own signature. Jackie's curly hair blooms in the 70s and 80s. Our unconscious reminds us of the archetype of the strong heroin of the time as Ellen Ripley was. And his name may be secretly referring to Jackie Brown, an air hostess who was acting in parallel as a gun dealer in Tarantino's eponymous film.
Certainly Love Lies Bleeding is a contemporary echo of Thelma and Louise where two women on the run responded with arms to male violence. Ridley Scott's film, also at the crossroads of genres, had aroused controversy for its subversive character, its irreverent fiber and intimately to the bottler vis-à-vis the defied patriarchate. The absolute fusion towards and against the violence of men is equally valid for Thelma and Louise for Love Lies Bleeding. Film punch and liberating, touching and incisive, Love Lies Bleeding questions our relationship to genres and manages to tell a story of love between two women without falling into carabinated representations on a supposed female essence. Hasard of calendars, magnetic Body Odyssey offered another angle on female bodybuilding, this time on the side of senior athletes.
Anora
Source United States | Director : Sean Baker| Release date : 30 October 2024 | Discovered at the first in Cannes | Critique to read Here
Anora narrates the fulcruming ascent of a young stripper in Brooklyn who sees her life change after dancing for a client son of an oligarch. Anora redraws the maps of human relations in the form of an emotional Russian mountain. While she agrees to marry this young son to Dad who leads a life of lust, the Russian family sees their union with another eye. The latter is determined to make the marriage go wrong. Whatever it takes... The film has nothing of a blue flower romance and that's what makes it so relevant.
Anora has an explosive temperament and seizes opportunities without any back thought. Of course, she sees this marriage proposal as a window to another life. Yet, unlike Cinderella, Anora There is nothing of a miserabilistic story. And the film of Sean Baker a everything from a modern negative to Pretty Woman. Even though Anora does not miss the answer, as a stripper and night bird of the Brooklyn clubs, it is above all through her body that she expresses herself. A facade that we know only too well and that finds all its symbolism during its magnificent epilogue. By marrying records with intelligence, Anora is a pleasure of every moment and a pomegranate that we expect to explode at any time. One more reason to discover the filmography against the current Sean Baker.
The Sweet East
Source United States | Director : Sean Price Williams | Release date : 13 March 2024 | Critique to read Here
Written with four hands in Sean Price Williams and American Criticism Nick PinkertonThe Sweet East is a journey to postmodern wonderland. Weared by magnetic Talia Ryder who encamps the role of Lilian, a young girl ready to pursue the first white rabbit come, The Sweet East Monkey a modern, phased America, where every corner of the street is a heterotopia in its own right. Here they are anarchists of the salon, there are frustrated neo-Nazis and Islamists. This passage written by Lewis Caroll very well reflects Lilian's permanent forward flight: « A moment later, Alice was chasing the Rabbit in the burrow, without thinking how she'd get out of it. ».
Because that's the charm of Sean Price Williams' film. Throughout this punk escape, there is never really a question of returning to the boredom of everyday life. Lilian left the bus from this signposted school trip to recover her « freedom ». An eternal runaway in a Russian doll where the beautiful use and abuse of her lascif air and apparent candour to lead her boat into a deeply ill society but where a remnant of humanity remains perceptible in each of her destitute. Lilian's smile is also that of Sue in The Substance, that of a society that seeks to control our most natural emotions. A real wind of freshness that gives breath in our world where people are increasingly algorithms.
The Substance
Source France | Director : Coralie Fargeat | Release date : 6 November 2024 | Discovered at the first in Cannes | Critique to read Here
Except for considering that you've been trapped in an antinuclear bunker this year, you've probably heard about the latest punch movie of Coralie Fargeat. The Substance crossed a course in genre cinema by marrying the horror body with satire for a result whose words overflow with each image. Certainly the big hooves are out, but no one had dared to denounce with such a cranial our representations by literally daring everything to the image. It is an integral part of the scenographic system.
Coralie Fargeat invents a new genre, the body-horrific comedy and manages to impose herself as a punk author likely to open the public to new critical considerations: those of a society paradoxically more surface-oriented than on beings, while our gaze dictated by the market strove to scrupulously destroy both. Regressive, outrageous but jubilatory, The Substance is a feminist black comedy tailored to Half Moore. A titanic honour arm addressed to our society of spectacle and its kleenex ageries according to the good old capitalist recipe applied to beings.
Nosferatu
Source United States | Director : Robert Eggers | Release date : 25 December 2024 | Critique to come
Special mention from last minute to Robert Eggers (The Witch, The Lighthouse, The Northman) which offers a very contemporary reading of Nosferatu that I found out the day after Christmas. The director pays tribute to German expressionist films while bringing his stone to the vampire building. He took over Murnau's 1922 version, which he associated with the somnambule of the Office of Dr. Caligari (1920) with one side Possession (1981) where Isabelle Adjani would have given her place to Lily-Rose Depp. A very (too?) Shakespearean film that plays on the permanent phase and its lyrical side assumed to excess even choke its sequences, a common pitfall in Eggers. Anyway, I slipped into this twilight dream, like a strangely familiar sleep paralysis where asphyxiation ends up getting us out of sleep. Nosferatu does not scare (and this is in no way what I was looking for), but it snakes bodies like the figure of Maldoror.
The absence of fear leaves room for the strange and dreadful romanticism that operate as if by black magic. The fantastic echoes the melancholy of this young woman, caught in a line between her morbid anxieties and a religious society that burys her repressed desires. A woman who broods the secret of those who feel defiled before consummating marriage. A film as cold as his photograph where the heat will only come in the last minutes of the film... Christmas night, pagan symbol recovered by Christians. The pagans celebrated winter solstice, the longest night of the year before the return of light and the rebirth of nature. The movie from Eggers ends with a last memorable plan that recalls the genre of still life. Was there better framework than Christmas for the return of Nosferatu in the dark rooms?
Megalopolis
Source United States | Director : Francis Ford Coppola | Release date : 25 September 2024
This year was also revealing the decline of American producers, increasingly cautious in financing projects, even directors who no longer have anything to disassemble. This was the case with Ridley Scott and his Napoleon The previous year, Kevin Costner and his film Horizon which, in my view, has been unjustly disassembled by critics decontained by the slow form of a Fordian work thought as a saga and not as a bottled series to the cliffhangers. Same for Megalopolis of the Coppola which deals with a rare subject outside the SF: that of our relationship to Utopia, this other inaccessible place that the director constantly questions with the image up to the transitional plane that turn off as from the look of the one who would hold a view.
Kitsch and freedom are, however, an integral part of the system which is intended to question our perceptions of modernity. If this baroque object collapses under its own weight, it is to better highlight the collapse of our civilization and the discursive dissonance between acts and facts. A film that deliberately exhausts, like Samuel Beckett's Trilogy which exhausts the language, Coppola exhausts the image. The figure of Coppola passes through the demiurge character ofAdam Driver during a guignolesque scene where the young Nobel-winning prodigy launches in a verbal joute against the city's mayor and his pharaonic Casino project. An obvious nosefoot addressed to the Hollywood today whose advanced rot heralds an inevitable fall. As with Furiosa (read our file Mad Max) where each SFX pixel suffered criticism, artistic bias of Megalopolis slice and it's so much better. This is the dream of one man. A solar project that should win its letters of nobility over time as Brice le loupe celeste predicted at the first Cannois.
THE FILM THAT YOU AS RATTRAPÉ AND THAT YOU LIKE TO CINEMA
Terrifiing
Source United States | Director : Damien Leone | Release date : 9 December 2021
This year, I finally caught up with the train Terrifiing. If each of these horror movies brings its own angle, I was captivated by the first. A horrificly agonizing film that questions the logic of the show by systematically making us complicit in the clown's abuses. In the first seconds of the film where Art prepares its attraction, Damien Leone announces the color. The first victim exhibited without any falter and already the spectator integrity that nothing will be spared him. The horror in its most crude form and which adopts the same process as pornography: do not hide anything from the flesh to the marrow. Besides his sense of sadistic staging, Damien Leone renews the logic of the croquemitaine as no one had achieved it for years, if not decades. Until the last minute, Terrifiing Play with the slasher codes. An unexpected popular phenomenon whose stakes have not always been seized for the right reasons by a young public not necessarily customary of the genre. Art is an ununderstood comic artist who addresses the spectator directly to every failed crime. What if he was the real joker?
THE ANIMATION FILM OF THE YEAR
Arcane
Source : United States / France | Implementation : Riot Games / Fortiche Production | Release date : 2021 / 2024 |Technical test to read Here
Again this year, there have been very beautiful productions: Memories of a snail and his acerbic humour, Totto-chan, the little girl in the window, adaptation touching the eponymous manga that will soon be discussed on MaG with his director, Anzu, ghost cat and its superb rotoscopy (or even our Interview of Yōko Kuno and Nobuhiro Yamashita) or Blue Giant, true musical prowess worthy of a live jazz concert. The last Miyazaki, The Boy and the Heron, is probably one of his blackest and most human films at a time. Splendid legacy to those who follow the master and to the eternal imaginations that he will leave behind.
I also laughed at the next movie Looney Tunes: The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie which will finally be entitled to an exit in 2025. Prepare yourself, it's an ancient animation jewel entirely hand-drawn. A popular surprise, the film is clearly intended for an adult audience with many grivot jokes that fly. The stop motion was also given a new gem discovered in Venice. Directed by the young studio Chroma and supported by the production house Around Midnight no longer present, the short film Playing God is amazing.
As usual, it is difficult to decide this year given the quality of the above-mentioned productions. So I decided to reward a series and a movie ex-aequo for similar reasons: their filiation assumed with the video game that makes the animation move to a higher stage. You may have guessed, I'm referring to the series. Arcane which technically pushes the limits of animation in the same way as Spider-man: Into The Spiderverse and its aftermath. A series with an astounding destination but which has been able to seduce me by the strength of its artistic direction. We talked about it this year at our school conference. E-Art Sup on the story of animation and video game. Riot Games and the studio Fortiche perfectly assimilated the grammar of the media. Arcane freed from a unique graphic frame to symbolize, in the image, the entire spectrum of emotions that pass through his tormented characters.
How? Using a variety of techniques ranging from charcoal and Chinese ink to represent mourning, or watercolour for carelessness for example. Why limit yourself to 3D or 2D when you can take advantage of both approaches? This is what we have long seen in video games like Indika which marries 2D and 3D to denounce the emptiness of religion. Fortiche also assimilated the techniques of filming to the shoulder to show Jinx's impetuousness, his prolo-schizophrenic anti-heroin as opposed to the fixed plans of the high city trusted by the bourgeoisie and the nobility.
If animation is a liveliness never seen, Arcane also knows how to offer panoramas that take back the process of artworks in the video game. Besides the symbolism of its fantastic artistic direction, Arcane has serious writing qualities to defend regarding his characters and knows how to represent a relationship between women without falling into the pitfall. This is probably the first time an anime has transcribed a female passional relationship as well. Congratulations to the French artists of Fortiche who worked hard to overcome the patterns of the genre. Great show!
Flow
Source Latvia | Director : Gints Zilbalodis | Release date : 30 October 2024 | Critique to read Here
It is also impossible not to talk about Flow, multi prize-winning at many festivals this year. Where many animated films seek to anthropomorphize animals, Flow chooses a radically opposite approach as the game already did Stray Before him. The animals are systematically recognized and their movements and mimics are always firmly rooted in the animal world. Out of the dialogues, again the communication is systematically non-verbal. Like a silent film, only the expressions of the beasts can convey emotion. And that's where Flow manages to pull his pin from the game because it is up to the spectator to guess between the lines the intentions of the animals, while an embryonic interspecies communication develops between these different beasts that everything opposes... unless it is so little... Even without layering the animals on humanized models and without any lines of text, we can read different sensibilities within this unique pack.
New milestone for animation, Flow There too has to be a lot of video games. For the first time, the film was made by creating a complete environment like a map of a video game in which the camera would be moved freely by means of a single sequence plane that keeps the spectator with this fortune arch. Brilliant and poetic, Flow It also deserves its title as the best animated film of the year. Ode to otherness, Flow is a successful allegory about adversity and living together. A breath of fresh air at a time when fear of the other is instrumentalized to feed division until annihilating the very conditions of community life.
THE DECEPTION OF THE YEAR
Source United States | Director : Fede Álvarez | Release date : 14 August 2024 | Critique to read Here
I'd like to tell you all the evil I thought ofAlien Romulus And how much his audience forgot what made the salt of the first films. But to really talk about disappointment, it would have taken me to really wait for something from a superproduction falling under the gron Disney. His release was paradoxically a non-event and it is almost backwards that I went to discover it in the room. Permanent self-reference and the game of « Who will recognize the little phrase » have become the favorite recipe for Disney since the mastodon ruined Star Wars. The same applies here with smooth characters for smooth environments and smooth aliens. The explanation of the image is systematic. Fede Álvarez only denatures the xenomorph to make it a monster all that is more generic, no smarter than a hamster. It's not entirely his fault, because I doubt that his contract gave him carte blanche.
I wouldn't stretch here because I've already written a very long one. background which compares the film with the essence of Giger's work by means of a comparative study of paintings and other materials that claim paternity with the sex beast we know (read our analysis). I am currently reading Morena Fais's thesis HR Giger Lautréamont reader? that I recommend you and I can't stop thinking that monster licenses like Alien The first film was therefore so disturbing. The Serbian Poles of Ebb Software and the British of Creative Assembly have done a thousand times better with respectively Scorn (read our folder) and Alien Isolation. It's up to the independent video game to turn if you want to plunge back into the world of the great Hans Ruedi Giger without having to swallow his acid in front of a bleached film product.
YOUR ATTENTS FOR 2025
When you navigate festivals in festivals, you're less worn by the release calendar. Nevertheless, except to consider that I subscribe to the annihilation of all social life, I miss many films in theaters and it is normal. As a result, expectations are all relative. Discovered by a simple movie trailer in a small cinema in Cherbourg that borders the ocean, I am very curious to see The Source, in competition at the Berlinale, festival that I intend to explore this year. The film already seduces with its splendid photograph and steel look of this mysterious veiled and mute woman who recalled the portrait of the Afghan girl. The promise of an investigation in a remote village in Tunisia where Aichah and Brahim are devastated by the unexplained departure of their sons, set out for an unspeakable war until their return with this mutic fiancee. Verdict very soon on MaG since the movie is coming out tomorrow!
I am also very intrigued by The House next door, next movieAlmodóvar that I missed in Venice. Why? Because the tone looks very different from his previous films which are not inherently part of my cinemaphile DNA. Drama between an imperfect mother and a grudge girl, The House next door There again very soon, on 8 January. And the few shots and sequences seen in the trailer suggest the best. Already, we savor these surgical images and the colorimetry of a photograph that looks magnificent.
If last year, Nosferatu that I expected this year, it will be Frankenstein by Guillermo del Toro, decidedly launched on a beautiful and fantastic series of popular myths. I'm also curious to see what I'll give 28 years later, the post-apo film of Danny Boyle who had made two unrivalled punch movies while renewing the grammar of the zombie Romero sauce. From zombie to infected, 28 days later foreshadowed masterpieces as The Last Of Us. I promised myself not to look at anything, not even a trailer, in order to preserve surprise, good or bad. As lovers of stop motion, I crumble over the project Junk World, continuation of Junk Head. We were one of the first to talk to you about this crazy movie of one man at the very beginning of MaG. Will Takahide Hori be able to overcome himself? My resolution for 2025, go interview Takahide Hori in Japan if he doesn't show his film elsewhere!
Review of Mr. Wilkes
YOUR WATCH ON THE CINEMA WORLD IN 2024
It is rather fun to see how the alternative offer (smaller budgets, more independent, more autonomous) explodes in creativity, still inventing new ways of designing cinema, while on the other hand the mainstream offer collapses in an ever more stinking miasm. Without delaying, however, we note the capacity of the recycling industry. Netflix (and its terrifying – but not in the right sense – Salary of fear, which passes after Clouzot and Friedkin...), the failed return of the old woman's old people (we are thinking in particular of the crashing in good order of Rebel Moon of the Snyder on the same platform) or the catastrophic Marvelleries that manage at least not to be profitable anymore, this is already...
Along with this smoking corpse and unfortunately still very lucrative, the world of cinema in 2024 is also and above all a plethora of films that dialogue with the vicissitudes of our time. Below, the top 6 of the films that have scored this year will be the opportunity to come back to these works. But before talking about them, it was impossible not to notice a particularly notable theme in cuvée 2024: that of journalism. In particular, it is the war report that seems to catalyse interest, with no less than three great films on the subject of fairly diverse quality but always combined with the feminine. Biopic , the theme returns tirelessly. No doubt about this thematic trio narrate the story of this reporter during the Second World War, the very disappointing Civil War dAlex Garland which may be my big disappointment of the year and finally the grandiose In his image of the is certainly part of it. He's not at his test, but.
And you don't mind Marek Zydowicz, 2024 was a year of female cinema (and devilish good !). If we turn away the dull hopes that the Emmanuelle dAudrey Diwan, the year was an opportunity to (re)discover talented filmmakers. I think of Rose Glass, Coralie Fargeat and her horrific consecration, the incredible documentary by Christine Angot. A Family, Emma Benestan or Noémie Merlant to name but... All (and each in their genre) have offered us a rich cinema, quite exciting, more hybrid than ever (Women in the Balcony and his joyous mix of genres, Eat The Night and the mix of his medium...). A cinema often acerbic and critical that explains perhaps the political reactions to the 7th art in 2024...
If this picture is rather praiseworthy, we should also not forget the repeated attacks of liberal policies on cinema. Between multiple attacks on the device Film College and the budget cuts that stubborn the cultural subsidies (no less than 73% decrease in the region Pays de la Loire thanks to the ring of the Legion of Honor Christelle Morançais), we understand that the culture disturbs. And that France Macron-Hanouna-Lepen is very tempted to make a mockery of him... But to cheer up, you can always count on the rightful South radio and their fine analysis of the situation in an article as lunar as finally quite funny (Grant Massacre: the truths to be told about French cinema). Editorialist Philippe David manages to spread such a quantity of imbecility to the line that he is already whispering that he is envisaged as a successor to François Bayrou. Case to follow...
THE FILMS THAT MARKED YOU THIS YEAR
In his image
Source France | Director : Thierry de Peretti | Release date : 4 September 2024 | Critique to read Here
Discovered at GIFF, To his image was my big crush of the past year. Narrating the story of a group of friends in Corsica of independent movements, the film focuses on the character of Antonia, a young photographer.
Manipulating with the same dexterity as his last films the art of the sequence plan, by Peretti offers both theoretical and aesthetic diving in Corsica of those years. Conceptually exciting turn, visually splendid and finally quite upsetting, In his image is part of the winning doublet of the Island of Beauty with The Kingdom released a little later this year.
The Area of Interest
Source : USA, Great Britain, Poland | Director : Jonathan Glazer | Release date 31 January 2024 | Critique to read Here
If you risk forgetting a little since he came out at the beginning of the year (a little like The Beast of Bonello), The Area of Interest is indeed the mastodon of this year filmed 2024. Glazer manages to create a whole new cinema grammar to deal with a theme seen and reviewed in cinema, that of concentration camps. Monster movie, real roller compressor, The Area of Interest using out-of-the-field, allows the experimental and meta, all in favor of an ultra-sensory film that makes the effect of a real blow of the club. By sculpting at a rather calm pace a filmography aligning the masterpieces, the British director Glazer is one of the most singular directors of his generation.
The Red Chambers
Source : Canada | Director : Pascal Plante | Release date : 17 January 2024
There's a lot to bet you didn't know Pascal Plante before. The Red ChambersIt was my case anyway. However, in 2024 he delivered one of the great punched movies of the year, according to the consecrated expression. A work that transcends the simple fact of various (a woman who simmers for a serial killer) to rise to an icy reflection on morbid obsession and contemporary voyeurism. With a rather astounding mastery, Plante drowns his spectator in a closed mental and emotional space of rare intensity while exploring the black areas of this fascination for evil.
Powered by a masterful performance of Juliette Gariépy, whose skin-flowering game captures as much as it disturbs, the film plays on the thread of the razor between psychological suspense and moral drama. The staging, surgical and claustrophobic, scrutinizes every detail and every silence, creating an almost unbearable tension from which one emerges groggy. Disturbing, striking, The Red Chambers enrolled Pascal Plante in the pantheon of directors to follow.
Eat the Night
Source France | Director : Caroline Poggi & Jonathan Vinel | Release date : 17 July 2024 | Critique to read Here
If there's a movie this year that must appear in MaG's top, that's good. Eat The Night. By mixing the video game and the seventh art in its narrative, Caroline Poggi's and Jonathan Vinel's film type exactly what DNA is on the site! And it must be said that his story of sibling torn apart by the upcoming closure of a MMORPG that represented their entire life, manages not only to create a real emotional bomb, but also to tint the feature film of a catchy and peaty melancholy.
The Successor
Source : France, Canada, Belgium | Director : Xavier Legrand | Release date : 21 February 2024 | Critique to read Here
We've already talked about Quebec movies with The Red Chambers, but this year 2024 cannot miss another Canadian feature: The Successor. Xavier Legrand, after the remark Until custody from which one still remembers to come forth the short breath, persists and signs in the kind of thriller. With its history of succession going wrong, it offers an icy (and icy) drama but also and especially one of the most terrifying reversals of 2024. Notice to amateurs...
The Kingdom
Source France | Director : Julien Colonna | Release date : 13 November 2024 | Critique to read Here
After In his image, it is the turn of another Corsican film to appear in this year-end top: The Kingdom, by Julien Colonna. Like Peretti's feature film, he combines with the feminine and explores the tentacular mafia networks of the Island of Beauty. But under the guise of making an umpteenth gangster film, Colonna instead proposes an upsetting story of filiation in this father-daughter relationship bathed in violence. Written with Jeanne Herry and with a rather ridiculous non-professional casting, The Kingdom impose as an unforgettable film of this year of cinema.
THE ANIMATION FILM OF THE YEAR
Other Flow, it's probably Memories of a snail Adam Elliot who scored the most in animation this year. Mary and Max's dad come back with a tricky movie, always as black, always as sad, melancholy and funny at the same time. It follows the life of Grace Pudel, a valuable collector of snails, whose life starts to shine after his father's death. We had the chance to see him at the FEFFS, but the feature film will be released in theatres on January 15, 2025!
YOUR ATTENTS FOR 2025
I don't have many films in the viewfinder for 2025, even if the next A24 production Babygirl scheduled for January 15 sss is really promising. A little later (February 12th), it was The Brutalist I will not fail to go to the cinema, of which you have probably already read some rather praiseworthy returns, including that of KillerSeven in Venice. In early March, it will be the return of Bong Joon-ho that will not be missed. He comes back with Mickey 17, an intriguing science fiction film with Robert Pattinson. And finally, by the end of the year, this is the third part of theAvatar: Fire and Ash, which will keep my attention.
Celeste Wolf Review
YOUR WATCH ON THE CINEMA WORLD IN 2024
2024 was an Olympic year for France, both in sport and in cinema. Because with the presence of three French films among the top five of the national box office, French cinema has made an "ouf" year... Especially since for the first time in 10 years, two French films reappear at the top of the podium: the gold for the irresistible comedy One more thing. with its 10.8 million admissions and money for the cavalcade The Count of Monte Cristo with its 9.3 million entries. As for the Romance rocking Love and its 4.7 million entries, it is in fifth place that it is proudly positioned. And as a reminder, the year had begun with the triumph of the judicial drama Anatomy of a fall in America (two Golden Globes and two Oscars). Cocorico, 2024 was a beautiful year for our tricolor productions, both in France and internationally. After that, who dares to say that French cinema is shit?
In 2024, in addition to having managed to seduce the masses, French films saved the dark rooms from the disaster announced by the hollow programming of Hollywood blockbusters (a drop of nearly a quarter in the number of large productions) caused by the double strike of the actors and screenwriters of 2023. In the spring, this shortage had a negative impact on attendance, with a staggering drop of 36% over one year in April. Fortunately, the surprise One more thing. reversed the trend...
But did this year of transition for the big film hits of the Hollywood industry manage to organize around strong licenses? Not really, because except for the great epic show Dune, part two and the entertainment tornado Twisters, nor the maxi best of menu Alien: Romulus or the initiatory journey The Planet of the Apes: The New Kingdom, however pleasant moreover (as well as the enlivened romantic comedy The Fall Guy and barbecue between old buddies Bad Boys: Ride or Die), have managed to score me. Worse still, the cynical commercial maneuver Deadpool & Wolverine have managed to disgust Comic-Book Movie (for my mental health, I spared myself Mrs Web and Kraven The Hunter). And what about Gladiator II, the self-satisfied repetition of deep emptiness? Or repeated disappointments from laundry Netflix ? In short, 2024 will not remain a great year for American cinema... Even if the triumph Wicked, that I didn't have the chance to see (as well as Beetlejuice Beetlejuice and Joker: Two-sided I will catch up very soon in 4K Ultra HD), allowed him to finish the year better than he started it. A big thought nevertheless for the misfire Furiosa: Mad Max saga, which unfortunately did not cause its engine to crash to the box office even though it is a slam like there are too few. And yes, the ways of the public are impenetrable!
Finally, I wanted to mention that in 2024, the spotlight was on women. Because if since the #MeToo movement, the cinema sees its directors (still too few) and actresses gradually take the place they deserve, this year will have been able to give birth to films with very real feminist demands (like Love Lies Bleeding , Mi bestia or even the remake ofEmmanuelle) recalling that women continue to pay for broken pots of patriarchy... In fact, everything accelerated during the the 77th edition of the Cannes Film Festival, with the Golden Palm Anora where her sex-working heroine isn't afraid of fighting to manage in modest America, the Grand Prix All We Imagine as Light with her three female characters in search of emancipation while the carcans imprison women in India, the Prize of the script The Substance in which the obsession of white cis men for youth is reflected on women over 50 years of age (invisibility of the star-system) forced to play the game of seduction, the award-winning doubling (Judge Award and Collective Female Performance Award) Emilia Pérez Watching women rise from social determinism, and the Special Prize Seeds of the wild fig tree which sow those of the Iranian movement « Female, Life, Freedom » denouncing the regime's oppression.
THE FILMS THAT MARKED YOU THIS YEAR
If The Substance, the black feminist fable that fully assumes its comical part in its quest for eternal beauty leading to body horror, Civil War, the dystopic road trip on the cover of conflicts which sends a warning to a humanity mined by divisions, City of Darkness, the energy bomb adapted from a manhua that pays tribute to the HK movie of the golden age, Morse (see our Interview of Romain de Saint-Blanquat), the ten-movie who is searching with intelligence by convoking a whole section of the vampiric cinema, and Godzilla Minus One, the great human scale monster movie that returns to the sources of the saga by humiliating the MonsterVerse Hollywoodian, could very well have advocated here, I decided to highlight five other works proving that the year 2024 shone in its diversity...
Who says the year cinema women, says necessarily Furiosa: Mad Max saga And her female anger all the motors screaming. Continuing to decline his obsessions while reinventing himself a fifth time, the mythical saga Mad Max Started in the 1980s, it's back on its way to Wasteland Fury Road, building a superbly vast world and other deeper emotional stakes. And if he does not renew the motorized trip to the crazy velocity of his eldest, due to the opening of his horizons, this post-nuke mythological peplum cut into several chapters is just as generous in everything he proposes, even if he leaves some narrative tracks on the bottom side. Plastically superb despite a digital strangeness more marked than in the past, it must also be said that the staging favors furious flights to the previous metronomy of the montage, it follows a magnetic Anya Taylor-Joy in his visceral vengeance against a magnificently pathetic Chris Hemsworth... Not without encountering virtuoso motorized action scenes that once again managed to stand out from its predecessors. When Ben-Hur visit the garage of Mad Max 2, Australian Home continues to write his legend where the Garden of Eden burns before the Revelation ends in silence. At 79, he's obviously not ready to stand up!
Presented in Cannes in 2023 but distributed in our territory at the very beginning of the year, the obscene tranquility of The Area of Interest was a huge shock. On the edge of the unbearable, this sensory work on the unspeakable of the Holocaust in which Jonathan Glazer we make contact with the banality of evil, probes our own relationship to history so that the increasing indifference due to the years ceases. From a power confusing with its taunting geometric staging (which shows almost nothing), its characters with a truly dreadful serenity and its evocative narrative (freely adapted from a novel by Martin Amis), this real film lesson on the mechanics of dehumanization imposes itself as an uncomfortable enclosed causing deep discomfort. Genocides (follow my eyes) must stop!
Mentioned above, the tale of the left-for-account Anora Didn't steal his Golden Palm (it was also mine). Because with a heart like this, this deconstruction of the American dream (with its degenerate ugly) where the spirit of the Coen brothers moves in with the Safdie, is an anti-Pretty Woman furibar who starts as a trivial fairy tale before turning to the drolatic road-trip. Sensitive, enjoyable and intoxicating, this surprisingly touching portrait of a real bad ass (interpreted by the tremendously energetic Mikey Madison) imposes as the best film of its independent director.
By far the most vicious film of the year, When Evil Lurks (see our Interview de Demián Rugna) is a small tour de force from Argentina that made a sensation during the 31st Gérardmer Festival before working on the French screens. While churches have long died, this demonic possession that spreads like an infectious disease celebrates the advent of the "end of the world" by making a great carnage on a growing scale. Traumatic and up to the endist (she saves no one), this horrific work, which is deceitful with falcian macabre hints and inevitable fatality, plays on an unpredictable fear... At a thousand places therefore facilities revived from a genre rinsed since Exorcist. When evil is born, nature dies!
Plebiscite by critics and widely rewarded in the audiovisual world (already 32 awards and 40 nominations through various festivals and international ceremonies), the great musical thriller Emilia Pérez imposed itself as a major work of the year 2024. Whereas on a crumbling subject, Audiard made his coming out movie with this transgender musical on the background of Mexican cartels dazzled by the trio's fervour Saldana–Gascón–Gomez. And when it deals with the tragedies of Mexico (disappearances and femicides), not without allowing the female to live in exciting numbers with the great musical diversity, it is to better speak of the feminine through three portraits of women as poignant as they are bursting. "Change of body is changing the world."
THE INJUSTICE OF THE YEAR
I allow myself a small out-of-subject (though!?) to deliver my feeling on the wave of prejudice, hate speech and "negative review-bombing" that received in the face of the series Star Wars The Acolyte (Neither the best nor the worst browsing the universe of George Lucas on Disney+). Des attaques sur fond de racisme et de misogynie menées par des fanatiques hyper-conservateurs (ou pour certains, disons plutôt nostalgiques d’une époque forcément fantasmée) ayant jugé le projet de Leslye Headland trop “woke”. Une malveillance en ligne parfaitement symptomatique de la doctrine d’anti-fans (des fans préférant parler de ce qu’ils détestent plutôt que de ce qu’ils aiment) frustrés aux raisonnements aussi futiles que superficiels. Le problème à aujourd’hui, en plus de se cacher derrière un jugement critique de “spécialiste” pour déverser leur haine des femmes (dans le cas des masculinistes surreprésentés) et de se délecter à danser sur les tombes de tous ceux dont les œuvres ont flopé, c’est qu’ils semblent contrôler les décisions des producteurs. Pour preuve, la mise en place à venir par les studios hollywoodiens de groupes rassemblant des “super fans” de franchises comme Star Wars or Harry Potter, pour essayer d’éviter des choix polémiques sur de nouveaux projets. À n’en point douter, une décision catastrophique pour la créativité.
THE ANIMATION FILM OF THE YEAR
Si l’animation américaine n’a pas trop démérité cette année avec sa crise d’adolescence Vice-versa 2 et sa conscience écologique Le Robot sauvage, c’est bel et bien l’animation japonaise qui est sortie victorieuse avec The Boy and the Heron. En effet, bien plus qu’un simple animé, cette œuvre testamentaire signée Hayao Miyazaki (son 12e long) est un profond recueillement métaphysique sur la nature de l’existence, l’interconnexion et la quête de sens. Un voyage introspectif guidé par le deuil qui, tel Alice in Wonderlandspread its wings (not without melancholy) in a dream world to contemplate the mysteries of life, death and the whole universe. A visually majestic and philosophically vertiginous opus.
THE DECEPTION OF THE YEAR
Pour éviter de faire des jaloux en cette fin d’année 2024, deux grosses déceptions… L’une française, l’autre américaine. À ma gauche, l’immense gâchis The Soul Eater. D’après le roman d’Alexis Lapsker, this peasy polar against the background of murders and disappearance of children is as untied as anarchy. Television staging, laughable actor's game, inconsistencies with shovel, grotesque situations, dialogues without any credibility and procedural implausibility have actually pollute the crime scene (glauque à vai). Turn on your TV instead to find the hit police show « Murders to... ».
À ma droite, SOS Ghosts: The Ice Threat. Alors que Phantom SOS: Heritage had managed to bring a wind of freshness to the saga, this Ice threat Inspiration failure (to a screenplay detail nearby) serves us to warm up in a overflow of nostalgia that stifles the (re)born flame. Remains a small and timely green update, friendly young protagonists, a good child humor that makes you smile, pleasant visuals even if all-round and a cute interdimensional relationship (the only novelty of this opus).
YOUR ATTENTS FOR 2025
Alors que les grosses machineries vont se bousculer en 2025 (suite aux nombreux reports imputables à la grève SAG-AFTRA de 2023), j’ai bien envie d’accorder ma confiance au film sur la F1 pour de la course automobile en IMAX, à la suite tardive 28 years later par Danny Boyle himself, au Superman de James Gunn (à la tête du nouveau DCU), à l’ultime mission de Tom Cruise dans Mission: Impossible – The Final Reckoning, au soft reboot TRON: Ares avec Jared Leto, à la nouvelle adaptation du roman Running Man qu’Edgar Wright promet plus fidèle à la précédente version, au développement de la franchise Universal Monsters avec Wolf Man (par Leigh Whannell, déjà derrière Invisible Man) et à Avatar: Fire and Ash, le troisième film de la série de SF de James Cameron. Pour ce qui est de Jurassic World: Renaissance, j’y jetterai un coup d’œil curieux pour son réalisateur Gareth Edwards (le Godzilla de 2014, Rogue One, The Creator), la saga s’étant perdue dans le Crétacé de la nullité avec l’escroquerie Jurassic World: The World After. Autres temps forts espérés, la comédie de SF Mickey 17 de Bong Joon-ho (The Host, Okja), le thriller d’espionnage The Insider signée Steven Soderbergh, le biopic musical Better Man sur l’icône pop Robbie Williams (représenté par un chimpanzé en CGI) et surtout The Brutalist, l’épopée américaine en deux parties (séparées par un entracte) tournée en pellicule VistaVision 70 mm.
Découvert cette année au Festival de Cannes, je ne saurais trop vous conseiller le bouleversant Black Dog dont la sortie est prévue pour le 05 mars 2025. Puisque dans une Chine en ruines, alors qu’un jeune homme adopte un chien errant, la charge contre le régime menée par son réal montre les réalités d’un pays déliquescent où, (très) loin de son image vendue à l’international, tout n’est qu’apocalypse… Ou presque. Et c’est là, au sein de décors singuliers (sublimés par une incroyable photographie sablonneuse) qui semblent parfois sortir d’un Mad Max, que l’incongru surgissant des décombres va animer une histoire de survie peuplée de magnifiques marginaux. Car plus que tout, telles ces deux créatures meurtries qui se reconstruisent sur le même chemin, il ne faut jamais renoncer et croire en un avenir (peut-être) meilleur. Trouvera-t-il sa place dans mon bilan ciné 2025 ? Réponse d’ici un an !
Bilan de Guillaume Lopez
YOUR WATCH ON THE CINEMA WORLD IN 2024
J’adore les propositions cinéma de l’année 2024, les pépites apparaissent à qui veut bien les chercher. Un petit ciné peut cacher de grands films, et ce, même en province : quel bonheur d’avoir vu City of Darkness (read our critical) à Grenoble. Cette note positive déteint avec le manque de succès de blockbusters qui méritaient pourtant tous les honneurs en essayant des choses nouvelles. Inutile de cacher ma frustration, le choc d’un bide comme Furiosa à contrario d’un Godzilla X Kong me fait perdre tout espoir au retour du bon goût. Mais peut-être diriez-vous la même chose en voyant ma sélection de l’année ?
THE FILMS THAT MARKED YOU THIS YEAR
The Substance
Source France | Director : Coralie Fargeat | Release date : 6 novembre 2024 | Critique à lire Here
La lutte de la vieillesse contre la jeunesse, un sujet sur lequel je reviens plus loin dans un autre film de cette sélection. Mais si cette thématique m’intéresse grandement, ici le propos est souligné, surligné, et entouré par son visuel très organique, qui suppure de douleur à en faire évanouir un Cénobite. Tout le monde cite David Cronenberg pour le côté body horror, à raison, même si je vois dans cet amas de chair quelque chose de très Akira : aller contre les règles et subir la punition du corps. Évidemment j’ai adoré ! Hommage à Carrie, Shining, j’ai aussi pensé au cinéma bis avec Basket Case et Frankenhooker, le film est autant jusqu’au-boutiste que grotesque, c’est comme se marrer avec une envie de gerber.
Elisabeth interprétée par Demi Moore est une star du petit écran, mais le temps passe et ne représente plus qu’une image de beauté en désuétude dont le star-system veut se débarrasser. Pour échapper à sa retraite, Elisabeth veut à tout prix retrouver sa plastique d’antan quitte à vendre son âme au diable. Impossible de faire impasse sur la méta du film, donc à l’actrice et sa carrière, on se rappelle alors de Ghost, Striptease, Equal weapons or Charlie’s Angels, il était grand temps qu’elle confirme sa place d’actrice incontournable, et dans ce film aux allures d’épisode des Contes de la crypte, Demi Moore crève l’écran grâce à sa magnifique performance. Ah ! Et je suis tout aussi impressionné par Sue, incarnée par Margaret Qualley ! Quel jeu et quel charme, rien de pire que de voir un idéal féminin s’effriter de la pire manière qu’il soit ; même Dorian Gray aurait eu de la peine pour elle.
City of Darkness
Source : Hong Kong | Director : Self Cheang | Release date : 14 August 2024 | Critique to read Here
Je pense à la série Like a Dragon: Yakuza (2024), l’adaptation catastrophique du jeu vidéo du même nom produite par Amazon. Et je me dis que City of Darkness est sans aucun doute la meilleure adaptation cachée des jeux de la licence de Sega. City of Darkness est un film crépusculaire : grâce à la citadelle de Kowloon, j’ai cru me perdre dans la méga structure des mangas cyberpunk de Tsutomu Nihei. Un labyrinthe qui semble infini, avec des tuyaux et des câbles de partout. Si on me demande quel est mon personnage préféré du film, je réponds « la ville », sans hésitation. Les lascars du film sont des combattants au style de combat spécifique. On a ce côté manga des années 90, qui vacille entre arts martiaux surréalistes et furyo ou chacun respecte un code d’honneur. Au croisement de Yū Yū Hakusho and Racaille Blues se trouve City of Darkness.
J’évoque la ville, mais les personnages sont écrits d’une main de maître Soi Cheang dont l’émission Raging Fire Club pourra mieux que quiconque expliquer la magie de ce réalisateur fou comme les valeurs de la transmission comme thématique. Le film est porté par des bastons explosives et décomplexées pour maintenir un rythme effréné. Il ne m’en faut pas plus pour le qualifier de chef d’œuvre du cinéma d’action. Une leçon de mise en scène où chaque séquence d’affrontement met en valeur les talents d’acrobate des acteurs mêmes les plus loufoques. Hommage aux films HK d’avant la rétrocession, City of Darkness représente l’adage « entre tradition et pétage de dents mérités » (oui je l’ai inventé).
MaXXXine
Source : Etats-Unis | Director : Ti West | Release date : 31 juillet 2024 | Dossier sur la trilogie à lire Here
Avant d’évoquer le film en question, j’aimerais revenir chronologiquement sur cette trilogie d’un seul et même réalisateur que j’apprécie énormément : Ti West. X sorti en 2022 est une perle du cinéma d’exploitation, un hommage à peine caché de Tronsaw Massacre, véritable foutage de gueule érigé contre le puritanisme hypocrite de la grande Amérique (d’ailleurs le film porno dans lequel va jouer Maxine s’appelle La Puritaine 2).
X nous montre la décadence de la fin des années 70, la graine du vice qui pousse dans l’esprit de la jeunesse, engendrant un monde de frustration dont un couple âgé en seront les héritiers. Les amants retraités sont les méchants du film, symbole du rêve américain brisé, cloîtrés dans leur ferme : la prison de leur désillusion. Façon Airbnb, ils accueillent un groupe de jeunes dans leur seconde résidence, venu pour tourner un boulard, un tournage dont les retraités n’ont pas été informés. Dans ce groupe d’actrices et d’acteurs, on retrouve Maxine, jeune femme cocaïnomane qui vend son corps à son petit ami, un réalisateur de film pour adulte. Prête à tout pour exister, Maxine veut briller dans le star-système qu’importe la morale conservatrice des religieux américain, mais les propriétaires ne vont pas voir ça du bon œil. Transformant l’aventure en un jouissif slasher. Pourquoi X est un film extraordinaire ? Parce qu’on assiste à des confrontations de morales opposées et générationnelles. Les vieux veulent éradiquer la jeunesse comme seule réponse acceptable pour combler leur frustration avec pour objectif de tuer le réalisateur de film de cul et éliminer la décadence. Les vieux amoureux seraient-ils les plus purs ? Les plus sages ?
Sauf que.… Pearl est un préquel sorti la même année que X (2022) qui revendique le contraire. On pourrait revenir sur la performance de Mia Goth, une actrice épatante qui joue parfaitement la jeunesse de Pearl, soit la vieille femme du film précédent, et qui interprétait également Maxine. Le fait d’avoir une actrice qui incarne à la fois l’héroïne d’un slasher, et sa Némésis dans son préquel est un choix judicieux tant les personnages représentent les mêmes tares obsessionnelles de la course à la célébrité. Et en effet, Pearl est une jeune femme dont ses capacités artistiques se bercent d’illusion, jusqu’au jour où elle se confronte à l’épreuve impitoyables du casting..
Pearl nous montre que la pornographie existait déjà en 1918 avec des films pour adultes dévoilés par le projectionniste cinéphile dont Pearl s’amourache par curiosité et peut-être même par intérêt. Ainsi, être célèbre, « vouloir la vie qu’on mérite » n’est pas une problématique contemporaine, la dégénérescence de la jeunesse n’est qu’un fardeau qui traverse toutes les générations.
C’est sa conception du monde fictif, l’alternative à la réalité, qui fait de Pearl le chef d’œuvre spectaculaire de la désillusion. L’héroïne doit renoncer à sa condition de femme de foyer, cette vie de fermière qui l’ennuie, pour devenir artiste. Mais accéder le statut de comédienne est un privilège réservé à très peu d’élus. Pour monter les marches de la célébrité, on doit se mettre en difficulté et se confronter aux chasseurs de tête. Pour se revendiquer comme la perle rare du cinéma il faut que des professionnels nous reconnaissent comme telle. Pearl n’a que sa conviction comme argument, et la mesure erronée de son talent pourrait la faire tomber de haut. La jeune femme trouve l’exutoire de ses frustrations par le sexe et le meurtre, et si l’illusion de son personnage la dépasse, le monologue final transcende le propos du film. Pearl ne pousse peut-être pas les portes de la célébrité, mais Mia Goth, l’avatar de la réalité, est bel est bien de l’autre côté.
Est-ce que les efforts et la persévérance peuvent conduire au succès ? C’est la question que pose enfin MaXXXine, la suite directe de X, ou le film de la dernière réponse. D’un point de vue purement technique, c’est le film le plus abouti en terme de décors, de plans et de jeu de caméra, chaque séquence raconte et souligne sa référence : d’abord Psychosis et cette éternelle salle de bain, mais aussi Breaking Bad with Giancarlo Esposito, alias « Gus », mais aussi Showgirls or Ave, César avec cette critique d’Hollywood.
MaXXXine est une claque de cynisme qui frôle l’indécence. Maxine (toujours interprétée par Mia Goth) est une star du porno qui enchaîne les castings jusqu’à décrocher un rôle pour un film d’horreur qui la ferait devenir la star qu’elle pense être. Pendant ce temps, un tueur sévit dans la ville et réveille ses traumas passés. Maxine est une héroïne touchante et jusqu’au-boutiste, en parfaite opposition au personnage de Torres, un flic présent pour souligner la caricature d’un virilisme acerbe et dépassé qui ne fait qu’échouer dans chacune de ses interventions, la moindre de ses actions fait fuir Maxine. Une critique de l’homme ignorant sur la femme en détresse, ainsi le flic n’est jamais montré comme un héros.
Quand le film s’adonne au discours moralisateur de la rédemption, on assiste à une scène surréaliste : un gunfight entre forces de l’ordre et prêtres d’une secte en lien avec notre héroïne. Comme si le film se transformait en jeu vidéo façon shooter de salle d’arcade. Maxine quant à elle, doit rompre les liens avec son présumé tueur pour briller enfin. Mais rien ne se passe comme prévu et l’illusion ne marche pas. Tout n’est que chimère. Une sorte de Mulloland Drive avec plus de sang pour résumer.
MaXXXine propose au spectateur de choisir la version qu’il désire. D’un côté, Maxine est une star, après tout, devenir célèbre après être passé par le porno est courant. De l’autre, le choix de la désillusion : Maxine a échoué, tout est question de chance, même avec du talent, même avec du travail. J’ai ri, j’ai frémi, c’était jouissif comme pas permis. Sans conteste, une de mes trilogies préférées du cinéma. « I will not accept a life I do not deserve. »
Nosferatu
Source United States | Director : Robert Eggers | Release date : 25 December 2024 | Critique to come
Comment éprouver le frisson avec un personnage de fiction présent dans mon esprit depuis mes premières années de vie. La figure vampirique est partout, de carnaval à Halloween, du cinéma à la télévision, n’importe quelle œuvre en mouvement fait référence à la créature emblématique du cinéma. Il y en a pour tous les âges, je pense à mon enfance devant le dessin animé Draculito, mon saigneur, je pense à toi aussi The Monster Squad film de Fred Dekker, une sorte de Super Smash Bros des films de monstres. Au-delà de mes souvenirs de mon plus jeune âge, me viennent à l’esprit les films de Mr. Vampire, la Ghost Kung-fu Comédie qui illustre des jiangshi toujours plus drôles, et quoi de plus facile que de se moquer de cette créature caricaturée en long en large et en jugulaire ? On en a vu des œuvres où le suceur de sang n’était qu’un moyen de rire, le rendant presque inoffensif, aucun vampire n’a pu faire peur à Buffy qui pouvait éliminer avec classe ses monstres nocturnes comme de simples mob de jeux vidéo. En parlant de style, je fais la connexion avec Blade, le précurseur du super-héros en cuir avant que ça soit la mode avec Matrix, sauf que là encore, c’était un gentil vampire.
Pour trembler devant un film de canines qui fait froid dans le cou, il faut revenir au film définitif dont je ne jure que par lui depuis mon premier visionnage : Bram Stoker’s Dracula de ce bon vieux Coppola, histoire d’amour qui me fascine encore aujourd’hui. Mais 1992 c’est loin. On a bien eu des tentatives de résurrection de la créature sous sa forme la plus séduisante avec la série Dracula sur Netflix en 2020, réalisée avec plus ou moins de maîtrise avec parfois même de bonnes idées. Mais difficile de se sustenter avec les restes d’un Vlad Tepes si peu original. Reste l’option de dépannage, certains diraient la meilleure : le visionnage de classiques comme Le Cauchemar de Dracula, mais si je peux applaudir les qualités techniques et d’écriture de ce long-métrage, je ne peux pas prétendre à l’effroi pour un vampire de 1958.
Lorsque j’ai découvert la bande annonce de Nosferatu, j’aperçu l’espoir d’un vertige : la photo me plaît, les acteurs me plaisent, je veux voir ce film. Enfin à l’affiche, je me précipite en salle pour déballer ce qui est sans aucun doute, mon plus beau cadeau de Noël. Sur la défensive, je vis Nosferatu comme un Dracula de Coppola grisâtre. Je suis outré de voir encore et toujours une histoire qui ne s’éloigne jamais de ce foutu voyage jusqu’au château du Comte déshydraté. Puis vint le moment des tsiganes et leurs rites, et surtout ce carrosse cauchemardesque qui emporte Thomas Hutter sur les terres du diable en personne, succession d’événements horrifiques et de tableaux vivants de Caspar David Friedrich à couper le souffle. Enfin la rencontre, la créature apparaît ou presque, sa présence dans l’ombre étouffe, la caméra ne dévoile jamais le visage du seigneur du mal laissant le spectateur seul avec le jeu d’acteur d’Orlock, sa diction confère les plus sombres ténèbres.
Quelques sueurs froides plus tard, plus rien ne peut m’empêcher d’être fasciné par le monstre et son design unique. Métaphore du vice, vision de l’appétit sexuel où le malin s’immisce dans les rêves d’une jeune femme, Ellen, laissant le mal entrer dans ses songes lorsqu’il y est convié, procurant plaisir et terreur nocturne. En résulte un amour insatiable pour son conjoint Thomas, un manque qui la ronge, attirant le mal à elle, des convulsions proches d’une possession où son entourage ne voit plus qu’en elle maladie et faiblesse psychologique. La maladie, sujet omniprésent du film, sert l’enquête d’un duo de médecins aux pratiques divergentes, là où la science et l’occulte se confrontent délivrant un Willem Dafoe prodigieux. Le film embrasse son propos lors de la séquence finale, un art du cadrage et de symbolisme pétris de mélancolie. Je suis sorti du film amoureux de sa poésie, je peux croire de nouveau au mythe du vampire qui rend les salles obscures effrayantes. Un chef-d’œuvre est né.
Furiosa
Est-ce que je suis prévisible ? Assurément. Un podcast vidéo a déjà été consacrée au film que vous pouvez retrouver sur le site. Revenir dessus me semble assez inutile et vous connaissez mon enthousiasme pour la saga. Cependant, j’aimerais vous partager mon journal de bord de mes réactions à chaque visionnage cinéma avec les dates précises du choc émotionnel que j’ai vécu : 25/04/2024 : Vu hier soir… Et je suis toujours en train de me demander si ce n’est pas le meilleur film que j’ai vu de ma vie. 01/06/2024 : La deuxième tournée fut encore meilleure. Comment est-ce seulement possible de réaliser un tel chef d’œuvre ? 10/06/2024 : Troisième fois en salle pour Furiosa, je me prosterne, une nouvelle fois, d’admiration. J’étais accompagné d’une amie pour voir le film, elle a été soufflée par le long-métrage. Quand le générique apparaît, ces premiers mots étaient : « Chef d’œuvre ». J’ai souri, tel Jack qui observe Furiosa. 17/06/2024 : Quatrième fois en salle pour Furiosa, je ne puis me lasser de cette leçon de Cinéma. Ma fascination est totale. A noter que la salle est quasiment vide à chaque fois. Ça sent mauvais en termes de succès, mais je jouis d’une immersion totale dans le silence de la projection. 03/07/2024 : Je lui ai dit au revoir comme il se doit, avec ce dernier visionnage en salle. C’est la fête du cinéma-truc en ce moment, la salle était remplie, j’ai discuté avec des gens au pif dans la file « il paraît que le film est excellent ». C’est peu de le dire. Sayonara Furiosa. 02/10/24 : J’ai le bluray steelbook Furiosa, je peux reposer en paix !
THE ANIMATION FILM OF THE YEAR
Transformers : Le Commencement
Source United States | Director : Josh Cooley | Release date : 23 octobre 2024
Il m’était totalement impossible de concevoir le moindre intérêt pour la licence Transformers, si on ne m’avait pas sifflé à l’oreille que ce nouveau film était excellent je ne serais jamais allé le voir. N’aillant aucune base du monde des machines, si ce n’est les souvenirs flous d’un film de Michael Bay vu il y a beaucoup trop longtemps sur TF1, je dois avouer que tout n’était que découverte. Vierge de tout aprioris, je lance ce que j’estime être ma claque animée de l’année. Sur une planète de robots riche en mythologie, on suit les aventures de deux amis ouvriers qui piochent dans les mines. La fougue de la jeunesse les pousse à découvrir un monde de liberté au-delà du champ des possibles, avec son lot de révélations et de retournement de situations qui feront de cette paire de héros cybernétique, des rivaux et peut-être plus encore.
Je n’ai rien vu venir, Optimus Prime et Mégatron ne sont que des noms inconnus pour mon cerveau d’ignorant, et je ne peux appréhender ce long-métrage comme pourrait le faire les fans de Transformers de la première heure. Impossible alors de mettre en perspective le respect du lore ou des relations entre protagonistes implantées depuis plusieurs décennies dans cette licence qui, de prime abord, me semblait être une immense publicité pour jouets. Mes remarques se portent donc sur l’écriture et la technique, et pour cette dernière je ne peux qu’applaudir une telle qualité dans ses animations 3D toujours fluides, belles et lisibles, les choix de plans rendent l’action burlesque propre et toujours compréhensible, c’est plaisant tant l’aventure va à 200 à l’heure, même durant les courts flash-back le mouvement reste le mot d’ordre, peut-être qu’un peu d’introspection auraient permis de souffler dans ce grand parc d’attraction qu’est Transformers : Le Commencement.
La direction artistique offre un souffle original, balayant les productions Disney qui se ressemblent un peu toutes. A cela s’ajoute une écriture de protagonistes juste qui ne dénotes jamais qu’importe la situation, les personnalités restent cohérentes avec les différentes péripéties qui accompagnent notre duo de robots héroïques. Par la suite ils sont rejoints par d’autres compagnons tout aussi intéressants et une alchimie s’opère sans forcer, les différentes amitiés se construisent naturellement au fil de l’aventure. C’est beau, bien écrit avec une mise en scène dynamique et le film trouve le moyen d’être émouvant tout en ayant un propos sur la liberté d’une nation, vive la résistance Cybertronienne !
TA DECEPTION DE L'ANNÉE
Source United States | Director : Fede Álvarez | Release date : 14 août 2024 | Dossier à lire Here
Ce que j’aime le plus dans l’utilisation des licences, c’est quand un auteur s’empare d’un univers pour le faire sien, Hideaki Anno avec les Shin, Keita Amemiya avec Kamen Rider et Hakaider, Mamoru Hosoda avec son One Piece, Mamoru Oshii et ses Urusei Yatsura, GITS… La liste est longue. À contrario, je déteste les licences aux mains de « réalisateurs-fanboys » qui veulent montrer qu’ils connaissent leur œuvre préférée par cœur et qui vont t’abreuver de références qui ne servent à rien : « hey t’as vu la ref ? ». Ainsi Romulus est un film que j’ai subi comme Jurassic World, ou la série Dragon Ball Super. C’est un film sans personnalité, où l’on ne s’ennuie jamais malgré le manque cruel de substance. Un melting-pot des 6 longs-métrages précédents, une fanfiction qui ravira les gens qui n’ont plus que des échos de mémoire des films originaux. Je n’aime pas vomir sur les œuvres, donc je n’en écrirai pas plus sur Alien Romulus, cependant je vous renvoie au super folder écrit par KillerSe7ven.
YOUR ATTENTS FOR 2025
Le prochain projet de Hideaki Anno accompagné de Shinji Higuchi (jamais l’un sans l’autre), qu’il serait plaisant de retrouver ce duo sur un film Gamera (read our folder) ! Mais peut-être que tout a déjà été dit sur cette tortue géante ?
Arix balance sheet
YOUR WATCH ON THE CINEMA WORLD IN 2024
Contre le syllabus et la scène du cinéma actuel
En cette fin d’année, je découvre avec joie les textes critiques de Manny Farber. Ce nom de la critique américaine, déjà oublié et surtout ignoré par le contemporain, a surgi dans mon esprit au début de l’année 2024 grâce à un autre critique auquel je rends crédit (nous sommes tous des rentiers de l’esthétique pour parler comme Céline) d’avoir écrit sur un film unique et pour avoir rappelé à ma mémoire mon ignorance. En découvrant la plume de Farber, il me vient l’idée d’utiliser son concept de « Fouillis » pour essayer de résoudre l’énigme d’un bilan à énoncer. Farber s’y était déjà attelé avec force, « virilité », et cynisme afin de critiquer les louanges d’une critique-cinéma capitonnée de toutes sortes de bourres et de fanfreluches, avide de goitres solennels dans lesquels le discours ne fait que couvrir un terrain de sa banalité topographique. Farber percevait à son époque l’effondrement d’un discours qui enterrait définitivement les « films souterrains » que le public n’était plus apte à regarder.
Il ne s’agit pas ici de reprendre un tel discours qui n’aurait que peu de sens, sauf à imaginer Farber face au cinéma actuel. En revanche, ses concepts et ses attaques me permettent de relire l’année qui vient de s’écouler et de regarder à nouveau des images qui ont marqué une mémoire perdue, la mienne, dans un flux continu d’informations. En un sens, il s’agit de trouver ici une technique de désordre digne de cette discordance que le paysage contemporain nous impose. Farber lui avait donné le nom de « Fouillis ».
Le fouillis rappelle Farber est « une masse confuse, un ensemble désordonné, une foule caractérisée par une masse d’éléments non rangés, un rebut ». Quand je regarde dans le rétroviseur ce qui a été vu au cinéma, je comprends facilement que nous, spectateurs, avons passé notre temps à rester assis et à regarder des images concoctées par une hydre à mille têtes nommée Pré-Publicité. Le Gladiator II du gâteux Ridley Scott épuise la représentation de l’histoire. L’histoire hollywoodienne étouffe comme le vieux Scott dans une naumachie aussi inutile que le parc aquatique Marineland. Todd Philipps, malade de son succès moral, essaye de penser la suite d’Arthur Fleck avec Joker: Two-sided. Le choix de son ouverture en animation montre que le réalisateur essaye de penser enfin le problème de son icône.
Malheureusement, le public aujourd’hui a tant besoin d’illusions coûteuses et de surenchère permanente dans le jeu des acteurs, la musique, la lumière, la morale. Le public voulait le Joker, Todd Philipps a voulu montrer Arthur Fleck. Rebel Moon du publiciste Zack Snyder mâche une image comme du chewing-gum et ose nous vendre la couverture de son film comme le véritable produit à consommer. Megalopolis de l’infatigable Francis Ford Coppola préparait déjà la glose de son fouillis cinématographique en imaginant les formules creuses d’une critique qui s’étouffe dans son entreglose. Le peureux Gilles Lellouche a préféré supprimer la comédie musicale de son film Love pour ne pas effrayer le spectateur face à son histoire follement insipide. Comme si prendre en compte « l’exigence » du spectateur relèverait d’un choix esthétique. Il apparaît plutôt comme un impératif commercial ou une nécessité publicitaire.
Enfin, l’international Français Jacques Audiard a osé jouer sur ce registre si risqué en se risquant à faire de la morale et de la politique tapageuse dans son Emilia Pérez. L’ennui – pour ne pas dire l’irritation – suscité par ces scènes de chant et de danse qui osent ne rien dire pour finalement montrer que ce parachutiste essaye de faire quelque chose. Audiard emploie une méthode pour vider de toute vie des scènes déshydratées comme du café instantané. Audiard a cherché à créer une icône, il ne reste que le clip musical. À la fin, le chant a disparu et il ne reste plus que des slogans. Si je prenais l’ensemble de ces icônes qui ont l’autorité du commentaire pour dire la morale et non la penser, je formulerais un syllabus.
Le syllabus est l’objet qu’on nous impose comme la seule image concrète par quoi et sur quoi nous devons discuter. Je le refuse car ce syllabus qui prend les contours de l’abstraction ne nous oppose qu’une barrière. Dans ce jeu de la lutte éternelle contre le syllabus, je choisis de suivre l’esprit et l’expérience de ceux pour qui la vie de la pensée n’a pas de limites. Mon désir ne peut se formuler que par la voie de la conversation, celle qui tend à tourner l’image vers l’autre, celle qui affirme l’expérience d’un sentir en se tournant vers ceux qui sentent que nous sommes des molécules agissantes dans un monde en gestation. Comme Farber, tout ce que j’ai aimé au cinéma appartient au « royaume des termites », non au paysage publicitaire.
Le royaume des termites
« L'art style termite, ver solitaire, mousse ou champignon, a la particularité de progresser en s'attaquant à ses propres contraintes, pour ne laisser d'ordinaire sur son passage que des signes d'activité dévorante, industrieuse et désordonnée. […] L'art termite est une immersion ponctuelle, sans fin ni but, comparable à celle d'un insecte, et surtout une absolue concentration sur l'effort d'isoler un instant sans prétendre l'embellir, pour oublier même cette prouesse sitôt accomplie, avec le sentiment que tout est remplaçable, et que tout peut être, sans dommage, démonté, et remonté en un autre ordre. »
L’exercice impose de se concentrer sur une seule main. Si j’en avais eu une deuxième j’aurais parlé avec joie et détour de Alain Guiraudie, de Payal Kapadia, de Rodrigo Moreno, de Miguel Gomes, de Mati Diop, de Jonas Trueba, de Kiyoshi Kurosawa, de Pedro Costa, de Joanna Arnow, de Bruno Dumont, de Todd Haynes, de Philippe Lesage et de Ryusuke Hamaguchi. Quand le temps ne sera plus à l’ère des manchots, il faudra dire et écrire que ces gens appartiennent au royaume des termites. Sans eux, l’image ne rendrait compte que d’une façon de voir, un savoir captif car au rabais.
THE FILMS THAT MARKED YOU THIS YEAR
The Substance
Source France | Director : Coralie Fargeat | Release date : 6 November 2024 | Discovered at the first in Cannes | Critique to read Here
The Substance de Coralie Fargeat énonce une définition de la tératologie. Seuls sont dangereux les images publicitaires, les injonctions morales, les textes radio-télévisuels, catéchistiques ou pornographiques, parce qu’ils habituent l’homme à l’irréalité. Mais ces slogans eux-mêmes, mieux vaut les lire que ne pas les lire, les regarder avec désintérêt plutôt qu’avec indifférence. Coralie Fargeat ne protège du regard ni les enfants et surtout pas les innocents, car l’innocence est faite pour être perdue. Croyons-nous que la grande industrie ait besoin d’une image idéale ? L’image qui l’intéresse est celle qui lui achète ses propres produits. Le spectateur, lui, rêve de devenir le grand acteur. Il s’en fait une idée thaumaturgique, naïvement bourgeoise. Il se rend compte alors qu’il se trouve en face de pauvres figures qui ne se différencient à peine l’une de l’autre que par une grimace sinistre, un sourire maladroitement mondain, ou une expression de ravissement angoissée.
In Water
Source South Korea | Director : Hong Sang-soo | Release date : 26 juin 2024
In Water of the Hong Sang-soo est un film flou. Comment parler d’un film mal vu ? Le mal vu est un mal dit. Il faudrait écrire mal pour dire ce vu si mal vu. L’impression du mal vu est rendue patente parce que le réalisateur rend l’image floue. Ce flou a des degrés de visibilité variable. Parfois le blanc apparaît comme une tache. Puis la caméra se rapproche de la tache pour la rendre plus visible ou plutôt lisible. En lisant la tache le blanc devient une femme. Le geste est primitif car la caméra suit ou plutôt poursuit l’apparition. Hong Sang-soo relève le cinéma dans un geste d’épure. Dans ce brouillard d’épure le cinéaste cherche son film. D’un paysage observé, le réalisateur s’accorde le droit de le reconstituer. D’abord la mer, toujours la mer. Un réalisateur trouve des conques. Puis l’errance et la dépense autour d’un projet : celui de faire un film qui n’a pas encore de scénario. Le scénario est à chercher dans les distances parcourues et dans les interstices que le flou rend visible. Les personnages de Hong Sang-soo boivent, mangent, se promènent et arpentent un paysage. Ils sont en quête d’une écriture située dans le regard. Rien ne sera jamais écrit au final. Il est plus question d’un mal vu. Ce mal vu cherche la bonne distance par rapport à l’écriture. L’écriture est devenue un geste d’observation. Alors arrive le film et le jour de tournage. L’évidence d’un paysage mal vu car parcouru se constitue. Un homme suit une femme. Il lui parle car il est étonné de son geste. Elle ramasse des conques sur la plage. Alors il regarde la mer et avance vers elle.
Eureka
Source South Korea | Director : Lisandro Alonso | Release date : 19 mai 2023
Eureka of the Lisandro Alonso. Que dire d’un film qui porte l’affirmation absolue ? « J’ai trouvé », la formule tient lieu d’exposition et surtout d’espace. Que peut-on trouver quand la recherche a déjà fait son office ? L’office ici manifeste plutôt sa recherche. Elle serait de l’ordre du sacré. Comme le sacré, il n’y a que l’inépuisable recherche de sa manifestation. Là est sa trouvaille et non son objet. Eureka commence avec l’image solaire d’un indien aux prises avec les éléments du mystère. Rapidement, le film replace cette étrangeté dans ce qui lui fait défaut. Alonso joue le jeu du western. Ce genre prend alors le pas sur cette origine de la représentation et en bloque tous les mystères. Nous assistons à l’histoire déjà connue d’un justicier dans un monde décadent et sans loi. Ce qui faisait le mystère est relégué au rang de tapisserie et de décor. Le drame semble jouer son jeu traditionnel : le père à la recherche de sa fille, la vengeance de l’un contre la violence du monde… Le drame s’épuise et ressemble à un mauvais pastiche.
De cet épuisement Lisandro Alonso en propose un écart. Ce qui a été vu, surtout déjà vu, n’est plus à regarder. Il n’est qu’un remplissage sonore, un arrière-plan télévisuel. À quoi bon regarder ce qui passe à la télé ? Il faut simplement faire passer le temps… Et puis qu’avons-nous à faire d’un drame qui a déjà trouvé la formule et qui la ressasse de manière satisfaite ? Alonso décide d’éteindre la télévision et déplace le jeu de la représentation vers un autre espace. Le protagoniste devient alors une femme, une policière indienne esseulée qui passe son temps à répondre à la radio et à une voix qui lui dit quoi faire, où aller… Ce que la protagoniste fait c’est arpenter une réserve dans laquelle se concentre une population perdue, alcoolique et condamnée à vivre un drame qui ne lui correspond pas. La policière n’a pas besoin de rendre justice, elle traverse la réserve et rend compte de la réalité d’une communauté cloîtrée dans son espace concentrationnaire.
Même le journal météo national a bon jeu de préciser que le temps qu’il fait ici ne sera jamais le temps qu’il fait là-bas : États-Unis d’Amérique. La protagoniste refuse de jouer ce jeu que le temps de la mythologie contemporaine lui a imposé. La policière ne répond plus à la radio et une jeune fille décide de partir. Cette dernière se transforme en héron et le jeu de la représentation se déploie à nouveau. Alonso nous montre que ce sont les Hommes qui ont inventé le temps. Or il affirme qu’il n’y a que de l’espace. Alonso refuse le temps d’un drame déjà satisfait, d’une représentation déjà jouée, et déplace son histoire et ses personnages là où ils peuvent être.
Youth
Source : Chine | Director : Wang Bing | Release date : 18 mai 2023
Jeunesse (Le printemps) of the Wang Bing est un documentaire qui capte la main ouvrière dans les usines textiles de la Chine contemporaine. C’est le premier film que j’ai vu dans l’année 2024. Et pourtant il persiste dans ma mémoire. Je me rappelle la sensation de la distance parcourue. Celle entre moi et cette jeunesse au travail, entre moi et cette jeunesse qui s’accorde des gestes d’amour. Youth rend visible des parentés hétérogènes en s’immisçant partout comme une caméra-termite. Elle s’insère dans un espace et capte les coutures à l’ombre des lumières de l’usine. Des mains manipulent des vêtements dans une cadence infernale et par moment elles s’octroient des gestes d’amitié, et des gestes d’amour. Les images de Wang Bing donnent l’impression que ce monde est plus disponible qu’il ne l’est réellement. Mais la force de ses images est de s’attarder sur ce monde.
Wang Bing filme patiemment et à bonne distance. Il s’intéresse aux choses telles qu’elles sont, à la permanence du statut quo. C’est là que l’intérêt pour le sujet rend le réalisateur complice. Il n’y a pas de dialogue entre celui qui filme et celui qui joue à être ce qu’il est. En revanche, la caméra est toujours tournée vers ce sujet et autorise le réalisateur à participer avec lui à la captation de ce qui est. L’image est incapable de créer une position morale mais elle peut la renforcer, et l’aider à s’établir quand elle commence à dessiner ce que les choses sont. Wang Bing rappelle que le vêtement est d’abord une couche textile qui adhère à la peau. Son utilité n’a rien à voir avec le besoin, elle se situe du côté de la classification sociale. Mais c’est bien le besoin qui a inventé le vêtement. En rappelant cela, Wang Bing propose de regarder ces couches textiles qui constituent une image de la Chine contemporaine.
C'est pas moi
Source France | Director : Leos Carax | Release date : 18 mai 2024
C’est pas moi of the Leos Carax est un projet avorté d’exposition pour le centre P… La P… respectueuse n’est-ce pas. La putain une nouvelle fois. De l’avortement de qui ou de quoi ? C’est l’écriture qui guide la pensée dans un trajet en dents de scie. Leos Carax dit : « C’est pas moi ». Que faut-il comprendre à cette négation qui sonne comme une affirmation ? Un geste apophatique ? Leos Carax n’aime pas les mots pompeux. Car ils pompent la vie et la déshydratent. Pourtant c’est bien lui qui parle, comme un dieu, et qui indique par la voix et l’image qu’il est là, pas là, ici et surtout là. Mais parfois il ment, l’image montre que ce n’est pas lui et pourtant il dit que c’est lui. Il va loin le jeune homme mais il tousse comme un vieillard « Hem ! Hem ! Hem ! ».
Que c’est beau cette lanterne qui récite sa lumière de drame et de comédie. Cette lanterne est belle parce qu’elle avance dans un trajet avec ses rails pour chalumeaux. Sur le quai de la gare, Alex a encore des mots tout de travers. En chemin de fer, Leos raconte sa vie à l’envers et à l’endroit comme l’horaire qu’on peut lire. Cette lanterne est belle mais il y a ce terrible risque des vessies pour des lanternes. Alors que cherche Carax ? Parfois la ressemblance et surtout la différence. « Hem ! Hem ! Hem ! ». La toux du vieux recommence comme la mauvaise histoire déjà entendue.
Alors il revient en arrière. « Croa ! Croa ! Croa ! ». Aller et retour. Retour au travail. Travail d’un retour qui va-et-vient comme un train. Alors le cinéma se regarde à nouveau. King Vidor et la foule. Dziga Vertov et la caméra. Leos Carax et son mauvais sang. Que voit-il ? Un plan. Subjectif. Le seul. Pourquoi ? Parce que. Que cherche-t-il ? Le regard des dieux. Dieu reconnaîtra les siens. Le regard du déjà vu. Celui de la beauté polarisée comme une lumière, beauté de seconde génération, fille, mais fille née avant terme, que nous aimions de nos yeux nus, et fille un peu monstre. À relire le trajet il ne fallait, pour rendre compte de l’expérience de C’est pas moi, suivre qu’une écriture qui guide la pensée.
THE ANIMATION FILM OF THE YEAR
Le conte des contes
Source : Russie| Director : Yuri Norstein | Release date : 4 décembre 2024
Aucun film d’animation ne m’a particulièrement marqué cette année. Je note simplement la grande déception devant Vice-versa 2. La suite a raison quand elle dit quelque chose d’autre. Là elle occupe une place vaine dans laquelle la dépression joue le rôle central. À quoi bon ? Il y a bien eu cette année de bonnes surprises notamment avec Flow and Le Robot sauvage. Si ces deux films sortent du lot, ils ne parviennent pas à relever l’animation dans un mouvement qui bouleverse le sens d’une direction. En revanche, je tenais à dire quelques mots de ma découverte tardive du cinéma d’animation du réalisateur russe Yuri Norstein.
En cette fin d’année, le cinéma de la ville a eu la merveilleuse idée de sortir la version restaurée de quatre films d’animations du réalisateur russe. L’ensemble a pour nom Le Conte des contes. L’animation traduit le sens du merveilleux. Le surnaturel se manifeste naturellement. L’image est surtout bidimensionnelle, comme une peinture médiévale, mais la perspective apparaît quand l’image a besoin de hauteur et de largeur. Dans Le Conte des contes, un jeune homme mange une pomme à côté de ses parents dont la conjugalité détruit l’innocence. Alors l’image trouve sa hauteur à défaut de trouver sa profondeur et le voici, ce jeune homme, perché sur une branche à côté des corbeaux qui veulent goûter la part de bonheur et de rêve de cet angelot : « Croa ! Croa ! Croa ! ». À entendre résonner le bruit des corbeaux, on a presque l’impression d’entendre le mot « croire ».
YOUR ATTENTS FOR 2025
Comment finir un bilan ? En énonçant la suite. Ce discours n’a déjà plus lieu d’être car il a déjà été écrit et c’est du déjà vu. J’aimerais que le cinéma des bourreaux arrête de détruire le cinéma des victimes. Mais ces deux cinémas coexistent. Il faut les regarder avec désintérêt non avec indifférence. Quand ils cesseront d’exister, ils seront juste de la mémoire. Peut-être est-ce la seule chose à espérer ?
Au cinéma, j’attendrai évidemment le retour de ceux qui appartiennent au royaume des termites et je regarderai avec attention le cinéma de « l’éléphant blanc » pour parler comme Farber. J’attends avec impatience le film d’Andrea Arnold Bird. La dernière image de son dernier documentaire Cow me laisse penser que son cinéma touche enfin la grâce. Elle a finalement trouvé son bestiaire. Le festival de Venise de 2024 n’a pas encore pu atteindre totalement les salles en France. Je redoute le nouveau film de Pedro Almodovar bien qu’il soit enfin auréolé d’une récompense qui le consacre. J’appréhende énormément le monument du film américain avec le film de Brady Corbet et son The Brutalist. Ensuite, il y a la suite du documentaire de Wang Bing qui sortira coup sur coup pendant l’année. Pour le reste, je verrai ce que les yeux me diront de voir et je les fermerai quand il n’y aura plus rien à regarder. Quand je ferme les yeux, je vois encore les filles du feu.
[…] la matière même du cinéma qui se nourrit du vivant comme nous l’évoquions dans notre bilan de l’année. Mais quand on touche à une affaire angulaire de la police moderne, les attentes sont […]
[…] son film La Zone d’intérêt (lire notre critique et notre bilan de l’année sur l’urgence de poser les termes), Jonathan Glazer nous rappelait pourtant que le terme […]