Dune is part of these works of science fiction that resonate for many as the sacred book. Whether the adaptation is to the letter or seeking to emancipate the text, the exercise is by nature cursed at the risk of betraying the memories of the followers or alienating the novices. From Lynch's unequal film to Jodorowsky's baroque and aborted adaptation, many s After a first feature film that set the scene, this second part enters the heart of the subject: the religion that permeates more than ever Dune cycle. Has Denis Villeneuve always been carried away by aesthetics and the concern for shape?
Crossing the desert
After the fall of the Atreides house in the first part, the film focuses on Paul's integration (Timothy Chalamet) among the Fremen, this people who live in harmony with the desert of the planet Arrakis. On the way to Sietch, Paul and his mother, the witch Lady Jessica, are seen as foreigners and must gain the confidence of the Fremen not without sacrifices. These natives are divided among those who believe in the prophecy that a mother and her son of « external world » bring green paradise and those who consider them spies and a danger to the equality of their own.
Intrigue revolves around this dilemma: satisfy its thirst for revenge, driven by the will alone, or face a messianic mission whose order of the Bene Gesserit Pull the strings. Does the message always prevail over its bearer despite the veneration it generates? It is the red thread of the film, the ridge line that must not be crossed in order not to lose its humanity when it was precisely sought to save it. The classical axis of the SF, understood as a declension of tragedy, is also the question of waiver to accomplish a destiny that might well lead to total war rather than to paradise.
At the heart of this prophecy is the essential role given to Chani (Zendaya), a customary fedaykin fighter of raids on Harkonnen's harvesters, and with whom Paul has a romantic relationship. Let's immediately evacuate the biggest black spot of Villeneuve's adaptation: a certain hermetism with emotion. Expected as one of the key events of this adaptation, the birth of their union unfortunately resonates as an admission of failure to write or at least a missed opportunity. Sunset, desert as far as you can see... « Romanticism » It looks like it's already alive, but let's go. Catapulted in a handful of seconds during a brief exchange on equality, the root of the Fremen people, the sequence ends with a kiss too easily brought, carried away by a camera that veers around the couple. The narrative of this second part is carried by ellipses not always very happy and that prevent us from identifying with the characters.
However, this turning point would have gained in emotion if it had been less agreed. Even if it's fragments, it's not for lack of seeing many visions between Chani and Paul in the first part. We feel that Denis Villeneuve did not wish to extend too much on the premises of their union while already having in mind the next chapter and the key scene of the novel, even if he destabilizes his spectator. And maybe that's the problem. Without falling into the pitfall of the case of Star Wars attack clones Who was turning blue flower, was there not material to give more warmth and therefore adhere to these two characters, yet key to the story?
Magnificent images... but modest
Another paradox of the vision of Dune by Villeneuve, Arrakis may be the most inhospitable planet in the solar system because of its heat that can reach extreme temperatures at the poles, we never feel the hostility of the desert. An aseptic side wanted as a contemplative aesthetic choice. A movie like Alien, the eighth passenger (1979), however, perfectly integrated the grammar of bodies and fluids as a vehicle of emotions. Would we have had the same chill without a single drop of sweat? Everyone still remembers Ellen Ripley almost as peaty as the xenomorph in the nostromo oven. In Dune 2024, on the contrary, water is precious even if it never escapes from the pores of the skin or so rarely. Chani's character is a photogenic beauty that separates us unconsciously from the authenticity of Arrakis by its perfection. Not a remnant of sand comes to upset the grain of a skin with almost digital softness.
The same applies to battles deprived of emotional involvement because of choreographies that lack sincerity outside duels. We still regret not seeing a single drop of blood shed which makes the fights more like a capoeira exercise than a fight against survival, especially since the opponents Harkonnen offer only a very moderate resistance, not to say insignificant. As if they were only used to make good the Fremen whose offensive abilities are certainly unusual. It is interesting to note that Dune shows to better understand what he reserves religiously out of field. The weight of the Pegi 13 buffer is also seen.
Simply not recommended at least 13 years of age, the 2h45 of the film forbids nudity. One cannot help but think of Giger's bitter testimony on the Jodorowsky's aborted project As if the curse continued. On the planet Giedi Prime of the Harkonnens, already the artist of biomechanical (read our file on Scorn and Giger) did not hide his irritation to see his morbid ambition upset: « Evil dominated my planet, it was black magic, it was free to attack. There were also other perversions on the agenda. In short I was in my element ». And he adds, bitter: « Sex was prohibited, as if the film were made for children. [Jodorowsky] was tired of all his films being censored ». Fifty years later, censorship or worse self-censorship is still raging. The paedophilia of the Baron is not even shown or even suggested, even though his character is always the object of aversion.
Should this choice of non-adaptation be seen as a puritan neo filter? Indeed Frank Herbert, a fervent supporter of Nixon, leaned very largely to the right. Before being known for his science fiction, the author made a living by writing speeches and creating advertisements for Conservative candidate campaigns. But above all Herbert will have made explicit remarks homophobic until the end of his life, freely assimilating homosexuality to violence and the collapse of society. He was teaching his son Brian how to « Repressed homosexual energy could be exploited by armies for murderous purposes ».
In an unpublished poem, the author reactionary wrote unfailingly that « homosexuals, bureaucrats, tyrants grow before every fall in darkness ». Not at all sensitivity readers who gain ground by revising many popular works and who confuse work with educational tool, it is regrettable not to have gone to the end of the representation of the perversity and sadism of the Baron. There is always an infantilizing side – and therefore objectively debilitating – not to trust the intelligence of the public. We would rather subodor the merchant weight of the Warner than a real sweetened choice of the director...
The same is true for the raw violence, despite the many cuts, you will never see a single bloodshed. As if you shouldn't be dirty with such beautiful images. This bias at the sole service of aesthetics makes Villeneuve's vision pudic, if not smooth, despite the splendour of his composition and photography. The director seems to forbid too long tightening his frame on his characters. A criticism that was already addressed to him for the first part.
The (re/de)construction of a myth
If one ignores these few defects, these choices are not completely off the ground. By depriving himself of this organic side, Denis Villeneuve detachs himself from his predecessors and especially from the baroque side of the Dune of Jodorowsky, including storyboard become legendary offered a curious mixture between the worlds of Giger and Moebius. Cleanly less bariolate, it was the choice of purification that guided the Quebec director. Through these concessions, Villeneuve succeeds in accomplishing something else.
More imperial or messianic in his approach, Dune Villeneuve version constantly seeks to separate from Men. The plans are majestic and inspired with a sense of gigantism that brings us back to a form of humility. The scenes with the verses are the climax. We too are witnessing the construction of a myth in the etymological sense of the term, i.e. the « idealized representation of a past state of humanity ». Giger's legacy remains palpable with some aerial plans in urban areas and mother ships that will not leave indifferent the lovers of the tortured painter, chanting a SF where darkness has long consumed beings.
Behind this remarkable aesthetic, we find in particular Greg Frasier, director of photography and true artist to whom one owes much to the plastic of The Batman, The Creator or Rogue One, the most authorising blockbusters in recent years. Dune was captured with one of the best digital cameras, the Arri Alexa 65 which offers epidermal sharpness.
Clearly Denis Villeneuve and his team wanted to offer a show with all that implies such a term. Coquettery and not least, this second part even has an IMAX version 70mm but only a few rooms around the world offer this format with almost 40% extra image on the top and bottom edges of the screen. There's something to let think about for the privileged few who have had access to it. Even if our country is not equipped with such rooms to date, we remain fascinated by these wide planes where the Men are small freighters facing the machines.
In this second part, Dune va encore plus loin en choisissant une colorimétrie qui se libère des carcans du réalisme pour coller au mieux à l’atmosphère. Aucun plan n’est recyclé et c’est un véritable régal pour ceux qui vénèrent la forme. La planète Giedi Prime et le palais des Harkonnen rend parfaitement hommage au travail de Giger en offrant du contraste entre un modèle totalitaire (jusqu’à priver l’image de couleurs) et la planète Arrakis à la beauté renversante avec ses dunes à perte de vue.
La séquence qui introduit le neveu psychotique du baron Vladimir Harkonnen vire quasiment au monochrome avec des blancs saturés où la pâleur de Léa Seydoux fleure l’innocence vénéneuse. Filmé en infrarouge, cette scène du Colysée où les gladiateurs s’affrontent répond d’une logique radicale. Une telle audace évoque les libertés prises par Villeneuve pour son excellent Blade Runner 2049, à ce jour son meilleur film de SF qui n’a pas à pâlir devant son illustre modèle. En cela Villeneuve met au tapis l’intégralité des productions Marvel réunies. Denis Villeneuve explique sa démarche :
« Pour Giedi Prime, le monde des Harkonnen, il y a peu de détails dans le livre et c’est un monde coupé de la nature. Un monde en plastique. Alors j’ai pensé que ce serait intéressant que le soleil nous un peu leur esprit. Si au lieu de donner des couleurs, le soleil les détruisait et créait un monde en noir et blanc très sombre. Ce qui nous en dirait plus sur la façon dont ces gens voient la réalité, leur politique, leur culture primitive et brutale. »
D’un point de vue musical, la bande sonore du film n’est pas en reste. On retrouve aussi Hans Zimmer (Interstellar, Inception, The Dark Knight et tant d’autres) derrière OST du film. Le compositeur allemand avait pris la place de Jóhann Jóhannsson qui avait longtemps collaboré avec Villeneuve sur ses premiers films Prisoners, Sicario or Premier contact. La bande originale occupe là encore une place centrale comme pour remplir des images sidérantes mais ankylosées par un souci d’épuration à l’excès comme si toute trace de vie avait été méthodiquement essorée.
La partition d’Hans Zimmer est peut-être trop souvent réduite dans l’imaginaire populaire à une musique atmosphérique écrasante qui prendrait le dessus sur l’image. Ici l’OST laisse la part belle au mysticisme. Les thèmes sont conçus comme des respiration avec une forte présence des instruments à vents et une touche orientale bienvenue. Et comme pour le premier film, des instruments acoustiques atypiques comme le duduk, hautbois arménien, ont d’abord été utilisés. Certains on même été inventés mais au lieu de les amplifier, ils ont ensuite été mis en vibration par un système complexe de résonateurs et synthétiseurs, de gongs et d’osmoses, ce qui leur donne une couleur inédite. Plus métallique lors de ses envolées, l’OST porte le spectacle en accompagnant davantage l’audience en passant de façon plus subtiles de textures sonores à des mélodies et thèmes dédiés aux personnages et familles.
Expérimentale, la musique a été conçue par l’équipe avec un management très horizontal, chacun pouvant proposer ses idées au compositeur sur un même pied d’égalité (écouter le podcast C’est plus que de la SF). La bande originale de Dune est unique. Elle transpire la nostalgie d’un âge d’or perdu où les voix humaines ne couvrent jamais vraiment ce bourdonnement envoûtant, parfois rattrapé par des élans lyriques. Ce choix musical colle parfaitement avec la naissance d’un culte malgré l’ambiguïté de Paul Atréides dont l’évolution psychologique dessine une infinité de possibles pour la suite de la saga.
Ce n’est pas une prophétie, c’est un conte
En parallèle du duo formé par Paul et Chani, on entrevoit les desseins des autres grandes maisons, celle des ennemis Harkonnen et surtout l’ordre des Bene Gesserit qui augure de belles choses pour les prochains films. Qu’il s’agisse de Dame Jessica (Rebecca Ferguson), de Margot Fenring (Léa Seydoux) ou de la jeune princesse Irulan (Florence Pugh), toutes offrent de brèves séquences incarnées mais qui nous donnent envie d’en voir davantage. A ce sujet, les personnages féminins sont très clairement les plus intéressants du film et Villeneuve ne cache pas son envie de travailler davantage avec Florence Pugh et Anya Taylor-Joy, deux actrices aux interprétations magnétiques.
On dit que le roman d’Herbert avait été enrichi de personnages féminins plus construits après que sa femme a dû insister auprès de son conjoint. Si la SF est souvent décriée pour ne laisser qu’une place très réservée (sinon sexiste) aux femmes, Villeneuve signe ici un film aux antipodes avec des personnages féminins nettement moins monolithiques que leurs avatars masculins. Avec son casting haut en couleurs et un nombre impressionnant de protagonistes, on imagine qu’il fallait faire des coupes en conséquence. Des choix qui interrogent peut-être sur le format du film plutôt que celui de la série.
Si cette seconde partie est imparfaite quoique bien meilleure que la première, c’est qu’elle dessine enfin ses enjeux : le revers de la religion fondée comme bien d’autres systèmes sur une même imposture : la promesse de la libération par l’asservissement des foules. Et c’est précisément l’objet du film : nous faire assister inéluctablement à l’avènement d’une théocratie dont la nature est par essence antinomique de tout visée démocratique. On assiste impuissant à l’inévitable : la volonté qui plie sous le poids du pouvoir. Un élément tragique qui rappelle ce proverbe de l’ordre Bene Gesserit :
« Lorsque la religion et la politique voyagent dans le même chariot, les voyageurs pensent que rien ne peut les arrêter. Ils vont de plus en plus vite. Ils oublient alors qu’un précipice se révèle toujours trop tard. »
Au fur et à mesure de l’histoire, le spectateur s’interroge sur la dimension de plus en plus surnaturelle du héros devenu Usul Muad’Dib, guide des Fremen alors que ses dons de prescience le privent de l’ignorance de la mortalité qui lui fait face en songe. SF oblige, la foi y occupe une place centrale comme si nos religions avaient conduit à une forme de syncrétisme quasi nihiliste. Ce second opus esquisse avec intelligence l’ambivalence de la figure messianique du Christ et de son négatif, l’Antéchrist. Et pourtant rien n’est laissé au hasard dans la construction du mythe : rappelons que Paul est le fils de Jessica, sorcière Bene Gesserit, et de Leto Atréides, le duc de la maison Atréides. Il est donc né d’une union qui avait pour but de créer un enfant aux pouvoirs exceptionnels. « Ce n’est pas une prophétie, c’est un conte » conclut le premier intéressé…
La scène de soumission de Paul Atréides à la révérende mère dans la première partie de Dune était explicite. Et bis repetita dans cette deuxième partie avec un autre personnage clé… Le Bene Gesserit tire les ficelles dans l’ombre sur deux axes principaux : au niveau macro avec la Missionaria Protectiva qui consiste à lancer des rumeurs religieuses pour influencer les peuples et au niveau politique en formant les filles des grandes maisons pour propager les desseins du Bene Gesserit dans tout l’Empire galactique grâce aux mariages par alliance. Quoi qu’il en coûte et avec un opportunisme machiavélique. « Nous n’espérons pas, nous planifions » comme le confirme avec justesse la révérende mère. Par leur sens alloué à l’éducation et pour leurs rapports entretenus avec le pouvoir, les membres du Bene Gesserit rappellent la caricature historique des Jésuites.
Paul Atréides et la guerre sainte
Denis Villeneuve étoffe enfin l’un des axes du Dune cycle : la guerre sainte à venir, résurgence du Jihad butlérien, dont le nom ne sera jamais prononcé. Il n’échappera à personne que l’œuvre d’Herbert emprunte beaucoup aux religions et plus particulièrement à l’Islam. Paul Atréides peut rappeler le prophète Mahomet qui avant d’être un guide spirituel était aussi chef de guerre. Le messianisme de Dune trouve écho dans l’Islam chiite et son mahdi, « celui qui est guidé par Dieu », terme repris littéralement par Herbert comme Villeneuve. Dans la religion musulmane, il s’agit du dernier imam occulté qui doit revenir pour diriger la communauté des croyants. On pourrait poursuivre ainsi les comparaisons. A une lettre près, les combattants Fedaykin renvoient aux Fedayin, terme qui désigne « celui qui se sacrifie pour quelque chose ou quelqu’un ». Aujourd’hui ce terme Fedayin est par exemple employé par certaines branches de la résistance palestinienne contre l’occupant israélien, même si l’on trouve trace de ce terme jusqu’au Moyen-Age avec la secte des assassins.
Quant à la guerre sainte et le Jihad à proprement parler, son sens est en réalité bien plus riche qu’une simple croisade contre les infidèles. Phagocyté par une obsession civilisationnelle post 11 septembre, le terme est infiniment plus vaste que le suggère son assimilation au terrorisme contemporain. C’est même un prénom porté par les musummans comme chéritens arabes et qui signifie « effort ». C’est le travail du croyant même chrétien pour « s’élever vers la piété sur l’échelle de la perfection humaine ». L’Islam traditionnel distingue le Jihad mineur du Jihad majeur. Le premier est dirigé contre les ennemis du dogme de manière offensive ou défensive, le second contre soi-même. C’est en quelque sorte une variante du « connais-toi toi-même » inscrit sur le Temple de Delphes et dont l’usage philosophique de Socrate traversera lui aussi les siècles. Un exercice d’abnégation et de cheminement vers Dieu pour résumer grossièrement. Dans la tradition islamique, certains imams comme Al-Bayhaqî (994-1066) prétendent que le Prophète aurait tenu ces paroles face à ses compagnons au retour d’une expédition militaire : « Nous voici revenus du Jihad mineur pour nous livrer au Jihad majeur ». Et quand ses frères d’armes lui demandèrent de quoi il s’agissait, il répondit : « Celui du cœur ».
Plus qu’une vengeance contre les Harkonnen, Dune est avant tout une lutte de Paul Atréides contre lui-même, par opposition à son père que l’empereur (Christopher Walken) n’hésite pas à écorcher comme un homme de cœur, donc un homme faible. L’introspection comme révélateur de l’essence humaine, ce potentiel mortifère que notre corps renferme tel le précieux liquide qui fait vivre les Fremen et dont nulle goutte ne doit quitter l’être. « Celui qui peut détruire quelque chose a le vrai contrôle » lâche le prophète devenu destructeur des mondes. Cette phrase ambivalente est l’illustration même d’une certaine forme de Jihad. Détruire les autres et se détruire soi même pour prendre le contrôle.
« Si tu bois, tu meurs. Si tu bois, tu verras » comme l’annonce l’une des figures de l’ordre lors d’une scène mémorable. Plus pessimiste, cette seconde partie laisser présager un programme particulièrement sombre pour les prochains films qu’on attend déjà avec impatience. Nous n’assistons pas à la naissance d’un prophète mais à celle d’une abomination née du travail millénaire des Bene Gesserit dans la quête du Kwisatz Haderach. Abomination au sens d’un objet d’aversion mais surtout d’anathème. Paul n’est plus lui-même ni le vassal des Bene Gesserit, il est déjà excommunié avant même d’avoir appartenu à quelconque Eglise ou d’en devenir le prophète. C’est la figure de l’Antéchrist malgré lui.
Passionnant cet article, j’adore les liens que tu tires avec Giger, le dune de Jodorowsky et la vie de Herbert (je ne connaissais pas du tout son passé politique). Et très chouette idée aussi ces passages musicaux disséminés à travers l’article, ça m’a permis de me replonger dans l’ambiance du film durant la lecture 😉
Gracias, oui je me suis bien amusé cette semaine, j’écoutais l’OST en boucle en rédigeant mon article et en faisant mes recherches ! ^^ Sacré boulot derrière la création musicale, je te recommande de jeter un oeil ou plutôt de tendre l’oreille en écoutant le podcast C’est plus que de la SF. Franchement j’aurais bien aimé aller encore plus loin sur la thématique du religieux et les ponts entre les différentes religions. Mais après faut écrire un livre ! ^^
https://www.cestplusquedelasf.com/podcasts/faut-il-voir-dune-2
Impressionnant la qualité de cet article, un moment de lecture très instructif et très plaisant. Merci !!!
Merci, merci ! ^^
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